El gato jazz

¿BAM o jazz?

2012-01-17T13:37:00.000+01:00

Recientemente estuve interesado en la vida de Nina Simone. Leí que decía que tocaba música clásica negra en lugar de jazz. Así, ella plasma una idea que parecer estar integrada en algunos músicos negros de jazz, sobre todo norteamericanos, que consideran que el término jazz tiene connotaciones racistas. Y hoy me he sorprendido al leer que tras la Inaugural Black American Music Conference del pasado 5 de enero en Birdland (Nueva York) algunos músicos empezarán a referirse al jazz como BAM, conforme a las siglas en inglés de Black American Music.

Esta conferencia fue dirigida y convocada por Nicholas Payton, de quien emanó el debate sobre la terminología tras un manifiesto publicado por el trompetista en su blog, en el que decía que el jazz es una etiqueta que limita a los músicos. Otras de las ideas lanzadas en dicho manifiesto se referían a que los músicos nunca debieron aceptar ese término y que debían cambiar de mentalidad. Para leer su manifiesto completo podéis hacer clic en la noticia de Cuadernos de Jazz donde he leído la noticia y aparece traducido. Aquí está el enlace directo a la entrada original de su blog: On why jazz isn´t cool anymore.

Opina sobre esta música que es colonialista y opresora, y que no quiere formar parte de ella. Después de todo el revuelo que provocaron sus declaraciones, otros músicos como Orrin Evans se han unido a él y han decidido cambiar de nombre, aunque no de forma artística.

Ahora bien, este asunto podría tener, según mi punto de vista, una doble visión. La primera es positiva, y es que el cambio de nombre pueda dar mayor notoriedad a estos músicos y permitir que mejoren sus condiciones profesionales ya que saldrían de la estética del músico de jazz negro, que malvive de la música. También, si es cierto que los negros sienten que el jazz es clasista y racista, los músicos de BAM serían considerados como luchadores por la identidad negra, lo que aumentaría y fidelizaría su audiencia.

Pero también tendría una visión negativa. Y es que este cambio de terminología rompe con una tradición centenaria, y deja más dividido un género ya muy disperso, y que quizá solo se mantiene unido gracias a ciertos patrones rítmicos, armónicos, más o menos evolucionados, y, por supuesto, la improvisación y su historia. Además de una estética que cada vez es menos importante.

Por tanto, yo no voy a dejar una única visión sectaria del asunto, del que ni siquiera participo, ya que ni soy músico de jazz, ni negro, ni norteamericano. Pero eso no significa que no pueda dar mi opinión. Respeto esta propuesta, pero no la comparto porque no sé hasta qué punto el jazz es un término racista. Sí es cierto que en su origen más remoto pudo tener un significado negativo, pero en su evolución se ha despojado de esta perspectiva, y ahora es un término totalmente extendido y, según mi punto de vista, en absoluto racista. Creo que esta música ha servido para que muchos músicos negros hayan sido respetados por su música y aceptados socialmente. Por supuesto, todavía existe esa gran lacra social del racismo, y más en un país como Estados Unidos. Pero sí me parece racista este cambio de nombre que excluye explícitamente a los blancos.

No quiero que el jazz deje de llamarse jazz. Es una palabra concreta, bella y distinta. Es misteriosa, como el propio género. El jazz seguirá existiendo, vivo, sea cual sea su nombre. Siempre será una música de origen negro, aunque esto no impida a los blancos practicarlo y vivir de él. Antes de andar cambiando nombres, la preocupación debería girar en torno a la liquidez del jazz y seguir haciendo música innovadora y de calidad, que es lo que da la legitimidad y el valor a un músico.

Así que, concluyo, más que intentar dividir fuerzas, deberíamos intentar aunar esfuerzos y continuar enriqueciendo una música que nunca ha entendido de culturas ni sectarismos, precisamente porque tuvo su origen en una que ansiaba el reconocimiento y la igualdad de derechos con las demás.

Deconstrucción

2012-01-16T22:19:00.000+01:00

La noche transcurrió con el silencio y la paz habituales. El baile inconsciente y acompasado de nuestros cuerpos se ocultaba, solo a medias, debajo de las sábanas. La respiración continuada y sosegada de los dos era el único sonido de la habitación. A veces, un movimiento perfectamente coreografiado cambiaba nuestra posición. La suavidad de tu cuerpo al contacto con mis manos, la calidez de tu rostro y de tu respiración harían que el corazón del hombre más duro de la tierra se ablandara y quedara derretido como el chocolate en las manos de un niño que aún mantiene intactas las ganas de ensuciarse, algo que el pudor de la edad adulta no nos permite.

No pasó nada relevante en aquella noche. Pero, ¿qué puede ser más bello que dormir abrazado a quien amas? ¿Qué es relevante y qué no? Me siento confundido. Los esquemas que siempre he tenido se han desmontado, esfumado sin más. No veo que las cosas que antes parecían importantes lo sean. ¡Qué ciego he estado! ¿Por qué buscar la acción en primera línea de combate cuando la verdadera emoción está tan cerca y de una forma más sencilla?

El mundo de antes me parece incongruente, falto de lógica, como quizá yo lo sea ahora al tener esta nueva visión de las cosas. Pero prefiero ser hipócrita a pasar la vida con una venda en los ojos que solo me permita hacer lo que los demás crean que debo hacer. Precisamente ahora quiero ser más como el niño que no tiene miedo de ensuciarse, y que vive según sus propias creencias. Me he deconstruido, y seguiré haciéndolo.

Cada elemento de un cuento es imprescindible

2012-01-12T19:36:00.002+01:00

Cuando en el comienzo o desarrollo de un cuento aparece un clavo, ese clavo ha de servir para que el asesino o su víctima cuelguen de él

Edgar Allan Poe

¡Feliz cumpleaños!

2012-01-10T11:20:00.001+01:00

¡Cuánto tiempo sin escribir para mi propio blog! Y qué mejor fecha para hacerlo que el cumpleaños de la persona que es más especial para mí. Nunca hago públicos asuntos personales, excepto lo que se refiere a mis preferencias musicales (algo habitual en este blog), pero no creo que eso deba considerarse un tema personal porque me dedico, en parte, a ello. Pero al escribir la frase que inicia este texto me he dado cuenta de que El gato jazz es mi blog, y en él quiero escribir sobre lo que me apetezca. Y eso es lo que voy a hacer a partir de ahora.

Gala, lo que quiero decirte con esta felicitación de cumpleaños es que eres especial, y que te quiero de verdad. Quiero que sigamos cumpliendo años juntos, celebrando la navidad juntos, yendo de viaje y a conciertos (¡si miro atrás no puedo creer que hayamos estado en tantos sitios!), en definitiva, viviendo la vida juntos. Solo tenemos una, y sé que contigo voy a aprovecharla.

Como el jazz es un tema central de este blog, y el jazz está íntimamente unido al blues, te pongo dos vídeos de felicitación que sabes que me encantan. ¡Feliz cumpleaños!

Foros de jazz en Internet

2011-11-21T15:36:00.000+01:00

El jazz es una afición bastante solitaria, pero cuando se comparte con otras personas puede llegar a ser mucho más satisfactoria de lo que ya lo es. Por eso escribo este blog. Hace un tiempo estuve registrado en un foro de jazz, y más tarde me apunté en otro distinto. Estuve leyendo los dos, pero participando bastante poco. En ambos conocí a personas muy interesantes y que me han enseñado mucho. No voy a citarlos aquí, porque si ellos leen el blog se darán por aludidos.

Después de mucho tiempo de inactividad he vuelto a registrarme en ambos, y voy a leer con mucha atención lo que allí se debate. Es absolutamente recomendable participar en ellos, no solo leerlos, para recibir otros puntos de vista y tener la posibilidad de aportar, con libertad, los nuestros. Los foros de los que hablo son estos:

Foros de jazz: www.forosdejazz.es

Foro de Jazzitis: www.jazzitis.com/foro

Si alguien está registrado en otro diferente y quisiera recomendarlo aquí, puede dejar un comentario con el nombre del foro y la dirección, además de alguna descripción. Sería interesante tener un directorio de este tipo de páginas (sean en español o en otros idiomas).

Bettye LaVette cala en el alma del público

2011-11-11T08:25:00.001+01:00

Anoche pudimos presenciar un Teatro Cervantes prácticamente lleno a la norteamericana Bettye LaVette. Un nombre prácticamente desconocido para muchos, pero que los amantes del Soul conocen perfectamente. Su creatividad es inagotable, y lo demuestra con la reescritura de algunas partes de temas que interpreta, además de un repertorio innovador en el que incorpora canciones de grupos tan dispares como Led Zeppelin, Elton John o Pink Floyd. Como última nota biográfica, y antes de empezar a comentar cómo fue el concierto, es importante decir que cantó en la toma de posesión del presidente de EE.UU., Barack Obama, junto a Bon Jovi.

A LaVette le acompañaban cuatro instrumentistas, músicos brillantes que respaldaban a la diva del soul y encajaban en su estilo. Eran Alan Hill a los teclados (además de ser el director musical del grupo), Brett Lucas a la guitarra, Charles Bartels al bajo eléctrico y Daryll Pierce a la batería.

Para el primer tema, salieron los instrumentistas, sin LaVette, e interpretaron un tema blues con un toque funky, que creaba más expectación, si cabe, a la llegada de la cantante. Más tarde, cuando el público estaba terminando de aplaudir, se escuchó desde fuera del escenario un grito que nos puso los pelos de punta. Y, entonces, salió al escenario. Con unos tacones que no podría usar prácticamente ninguna mujer, LaVette, a sus 65 años salió con energía y se entregó totalmente al público.

No paró de bailar en todo el tiempo, empatizó con el público, explicó algunos temas de los que interpretaron y se fue con gratitud por la actitud que los asistentes tuvieron con ella. A cada tema le siguió una ovación, y dos temas antes de terminar, ya se levantaron varias personas del público mostrando lo que estaban disfrutando.

LaVette es el mejor ejemplo que he conocido de cantante de Soul. Ella es Soul, es alma. Y caló en cada una de las almas que estaban en el Teatro Cervantes. Sus temas, cuidadosamente escogidos, nos hacían reflexionar sobre temas muy diversos, y el punto de inflexión del concierto estuvo en Souvenirs, una canción de su disco de 1972, titulado como Child of the Seventies. Lo interpretó sentada en el suelo sobre su toalla negra. El tema tuvo varias partes. Empezó con un acompañamiento del piano haciendo acordes, y luego se incorporaron los demás instrumentos. Este esquema se repitió más adelante cuando hubo una pausa que parecía indicar el fin de la canción, pero volvió a cantar LaVette acompañada de su director musical.

Este tema solo se puede calificar de un modo: belleza musical absoluta. Era bello en todos los sentidos posibles. Sobrecogedor, metafórico y realmente profundo. A muchos se nos escaparon lágrimas durante el concierto, pero creo que este es el que más provocó. La metáfora de los souvenirs, que son objetos que vamos recolectando a lo largo de nuestra vida de los distintos sitios a los que viajamos, como los recuerdos que acumulamos tras el paso del tiempo, los sentimientos que hemos tenido y las vivencias que hemos disfrutado. Pura melancolía y tristeza por el paso del tiempo, y la imposibilidad de volver a vivir el pasado, y que solo podemos ver a través de esos objetivos: los souvenirs. Al menos, yo lo interpreté así.

En muchos de sus temas, su voz era un lamento, que luego se trasladaba a los demás instrumentos, sobre todo la guitarra. Brett Lucas supo adaptar perfectamente el sonido de su instrumento a cada situación, y su guitarra pudo sonar como una voz desesperada o como una trompeta.

En otros temas, tenía una voz dura, más rockera podríamos decir. Incluso en uno de ellos, el guitarrista hizo un solo más largo de lo normal (creo que de manera espontánea) y LaVette (que no dejaba de bailar) se acercó a él y bailó a su lado. Fue muy sensual.

Hubo una gran variedad de estilos: desde el blues, el gospel, el rock, el funk. Hubo un tema, el último que tocaron del programa, que me cuesta definir. Fue muy innovador, con ritmos más exóticos y más presencia del bajo. Los instrumentos melódicos se dedicaron más bien a experimentar con distintas armonías más disonantes. Al final de este tema, y sin haber terminado de tocarlo, se fueron yendo los músicos. Primero Brett Lucas, luego Charles Bartels, seguido por Alan Hill y Daryll Pierce. Y quedó sola LaVette en el escenario.

Todo el público se puso en pie, y LaVette, después de agradecer durante un buen rato el cariño de los asistentes, cantó un tema sola, totalmente a cappella. En mi opinión, fue el más profundo de todos. El público escuchó atentamente cada una de las palabras de Bettye LaVette boquiabierto. Si ya todos estábamos con los sentimientos a flor de piel, hubo un momento en el que se quitó el micro y su voz consiguió llenar también el teatro entero. Cuando terminó, y con una gran ovación del público, se fue del escenario. A un lado la esperaba un hombre que la ayudó a ponerse una chaqueta y se fue. Con toda la clase y elegancia que la caracteriza.

Hay personas a las que la naturaleza las dota de una voz excepcional. Bettye LaVette es una de ellas.

Triste democracia

2011-11-10T09:57:00.007+01:00

Más de 12 millones de españoles presenciaron el debate electoral entre los candidatos a la presidencia del Gobierno del Partido Popular y del PSOE. Un debate de vergüenza, en el que no se propuso nada y en el que cada uno tuvo un papel que desempeñó a la perfección. Todo estuvo pactado (recordemos que no se habló en ningún momento de corrupción, ya que los dos partidos tienen cosas que callar), y no se debatieron ideas. Se limitaron a pedir explicaciones y a mirar al pasado, algo que puede servirnos para aprender. Pero no era el momento ni el lugar para hacer eso.

Ni que decir tiene que fueron irrespetuosos, no solo con su contrincante, sino con todos los españoles que los veían. Dieron una imagen bastante penosa de España, y lo peor de todo es que yo, al menos, lo esperaba así.

Los dos grandes partidos estuvieron representados en, como afirmaron algunos, “el quinto ‘cara a cara’ de la democracia”. Pero esta afirmación me resulta desagradable, y es bastante común: hablar de ‘cara a cara’ y de democracia. Estamos tan acostumbrados a que los únicos partidos con posibilidades de gobernar el país son solamente dos, que ya identificamos la democracia con el predominio de dos partidos políticos, a lo Cánovas y Sagasta.

Aunque hay alternativas, están muy lejos de conseguir más poder por dos motivos fundamentales: el sistema electoral español beneficia a las mayorías y los partidos pequeños no tienen las mismas oportunidades para dar a conocer sus ideas.

Me resulta complicado hacer una valoración sobre el primero de los motivos, pero respecto al segundo rechazo firmemente la disparidad de posibilidades propagandísticas. Todos los partidos deberían tener oportunidad para exponer sus ideas y propuestas y, aunque Internet ha facilitado esta tarea, no es ni de lejos suficiente.

Los partidos con mayor representación en las elecciones anteriores tienen más espacio en TVE, por ejemplo, para emitir sus anuncios, mientras que los que no tuvieron apenas representación o los nuevos partidos no tienen acceso a más del 30% (a compartir entre todos) del espacio disponible (PP y PSOE tiene el 70%).

Además, el Estado devuelve a los partidos una parte proporcional de lo que han gastado en publicidad durante la campaña respecto al número de votos que obtengan. Una medida que sigue premiando a las mayorías, ya que los que más gastan son los que más se lo pueden permitir, y tienen seguro que podrán recuperarlo sin muchos problemas.

Todo esto no hace más que retroalimentar el sistema y que no sea posible un cambio político en España. Un partido pequeño o de reciente creación no podrá gobernar porque no tiene mismas posibilidades que los que están en el poder. Aquellos que difícilmente tomarán medidas que les puedan llevar a ceder sus puestos.

Los malditos de la historia del jazz: Scott LaFaro

2011-11-02T12:05:00.010+01:00

En todas las artes podemos encontrar a una serie de personajes que se podrían denominar como 'malditos'. O, al menos, a mí me gusta llamarlos así. Son personas brillantes que fallecieron siendo jóvenes, ya fuera por tener una vida turbia o por cuestiones de azar. Algunos murieron siendo veinteañeros y otros habiendo alcanzado la cuarentena. En la literatura, por poner un ejemplo, tenemos a Baudelaire, famoso poeta considerado como maldito por la oscuridad de sus textos, su vida de excesos y la incomprensión de su obra por parte de sus contemporáneos.

A pesar de que el apelativo de 'maldito' corresponde, en un sentido estricto, a la descripción anterior, no la tomo en consideración para la serie de "Los malditos de la historia del jazz". En el jazz, la oscuridad característica de los textos de los poetas malditos no existe, ni tampoco la incomprensión por parte de la comunidad musical. Por tanto, en los personajes que aparecerán en estos artículos, tampoco. En esta serie señalaré la importancia de estos músicos y la juventud con la que murieron y cuál fue la causa.

El primero de ellos, y que inaugura la serie es el contrabajista Scott LaFaro. Nació en el año 1936 en New Jersey y murió en 1961. Echen cuentas: 25 años. Un cuarto de siglo que influyó notablemente en la historia del jazz, concretamente de la forma de tocar su instrumento, el contrabajo.

El joven Scott nació en una familia de tradición musical, y probó varios instrumentos antes de decantarse definitivamente por el contrabajo. Y eso fue a los 17 años, por lo que podemos observar que se dedicó en exclusiva a este instrumento durante 8 años. Otro dato más: su colaboración con el trompetista Chet Baker, que lo catapultó al más alto nivel fue en el año 1956, a los 19 años de edad. Por lo tanto, podemos datar el inicio de su carrera musical profesional en esa fecha.

Esta colaboración provocó que muchas más personas se fijaran en el contrabajista, y en el año 1959 empezó a trabajar por el pianista Bill Evans y el baterista Paul Motian, configurando uno de los tríos de jazz más influyentes del jazz.

El contrabajo, junto con la batería, era un instrumento que habitualmente se utilizaba como soporte rítmico de las bandas. LaFaro cambió el papel de los contrabajistas, haciendo el instrumento más libre y melódico. Como afirma Berendt, LaFaro supuso "la emancipación" del contrabajo, introduciendo numerosísimas posibilidades para el mismo que habrían resultado impensables pocos meses antes de su llegada".

La vida de Scott LaFaro se fue en julio de 1961 en un accidente de tráfico, con solo 25 años de edad. Dos días antes había acompañado al saxofonista Stan Getz en el festival de Newport. En unos instantes se fue un revolucionario del contrabajo, uno de los que más ha influido en la forma de tocar su instrumento. Ha sido escuchado con atención no solo por los contrabajistas, sino por cualquier músico de jazz (e, incluso, de otros géneros) que busque que cada instrumento dé el máximo de sí, para que ninguno sea un siervo de los demás, sino que se establezcan diálogos entre los músicos. Ese es el mayor logro que consiguió aquel trío que encabezó Bill Evans.

Dejó una amplia discografía a pesar de los pocos años que duró su carrera. Cabe destacar tres discos memorables con el trío de Bill Evans: Portrait in Jazz, Waltz for Debby y Sunday at the Village Vanguard; además de otro disco imprescindible para conocer la historia del jazz: Free Jazz, de Ornette Coleman.

Pueden consultar la discografía de Scott LaFaro en jazzdisco.org.

En la fotografía se ve, de izquierda a derecha a Scott LaFaro, Bill Evans y Paul Motian.

My Funny Valentine

2011-10-26T20:53:00.016+02:00

El hermoso graznido de los pájaros adivinaba una tarde de apacible calma después de la tormenta del día anterior. Se acercó a la estantería de la sala y escogió de entre sus discos, cuidando cada uno de sus movimientos, uno de la colección de álbumes de Miles Davis con Prestige, concretamente el disco número 3. Lo colocó con suavidad en el equipo de música y esperó pacientemente a que las notas fueran identificadas por el lector óptico de cedés.

Pensó que era mágico cómo un sistema electrónico reproducía con tanta precisión los sonidos procedentes de los instrumentos de un quinteto histórico, que poseía una sensibilidad y calidad sin precedentes. De todas formas le parecía mágico porque él no entendía demasiado de las tecnologías. Le daba igual cómo funcionara, lo importante es que sonara lo que quería escuchar.

Cuando empezaron a sonar los primeros compases de 'Round Midnight, se acercó a su sofá, donde solía pasar tardes enteras leyendo. La trompeta de Miles Davis le resultaba especialmente expresiva en este tema de Thelonious Monk. El mismo Monk le decía que no sabía tocarlo de forma acertada, pero sí que aprendió, y pocos lo tocaban con tal sensibilidad como lo hacía Miles.

Cogió de encima de la mesa el libro que estaba leyendo, cuyo título ni siquiera importa, ya que lo que importaba era el hecho de leer de forma acompasada al contrabajo de Paul Chambers, la batería de Joe Jones y el piano de Red Garland, que formaban una sección rítmica realmente bien conjugada.

Pasaba las páginas, una tras otra. Pasaban los minutos, y seguían sonando los demás temas del disco. Sentía verdadera empatía con esa música. Su estado de ánimo variaba de un tema a otro, y su expresión seria solo se veía alterada cuando miraba con complicidad su equipo de música y se decía: "Vaya panda de hijoputas", en alusión a las palabras de Miles Davis cuando se refería en su autobiografía a los músicos buenos que tocaban con él.

Seguramente ustedes habrán imaginado a nuestro protagonista como un hombre de edad avanzada, aficionado a una música exquisita y amante de las artes. Un hombre alejado de parte del mundo que le rodea, en una habitación iluminada con un gran ventanal, con confortables sillones de cuero (blanco, negro o marrón, queda a su gusto) y repleta de estanterías con libros y discos recomendables, de esos que hay que leer y escuchar antes de morir. Un hombre aislado, solitario y nostálgico.

Están muy equivocados. Solo aciertan en su edad y en sus aficiones. Era un hombre educado, lo que no indica que fuera solitario y aislado. Le gustaba pasear por las calles y observar a la gente que las recorre. También le gustaba imaginar las calles del Nueva York de los años 40 y 50, pero eso no significa que fuera nostálgico. La nostalgia se produce por extrañar algo que has vivido o poseído, y que ya no volverá. Él nunca había estado en Nueva York, ni había vivido esas décadas, así que no podía sentir nostalgia por ello.

Nuestro hombre no vivía solo. Era una persona apasionada, y las pasiones no se pueden vivir en soledad sin llegar a la locura. Estaba mejor acompañado que nadie en este mundo. A su lado estaba la mujer a la que amaba. Ella entró en la habitación cuando empezó a sonar la última pista del disco. Acababa de llegar a casa, y había preparado dos tazas de té con leche, como a ellos les gustaba.

El cuidado por sus discos, su amor hacia los libros y disfrutar de su compañía era solo una metáfora, mejor dicho, una pequeña muestra de lo que ella suponía para él. Muchos años de compañía, buenos momentos y magia que nunca se agotaba a pesar de los problemas que la vida les había planteado. Y eso es lo que pasa cuando el amor es auténtico, que los problemas no lo son tanto.

My Funny Valentine, el último tema del disco, provocó que unas lágrimas asomaran de sus ojos. Lágrimas de felicidad, por supuesto. Eran conscientes de la suerte que tenían al haberse conocido tantos años atrás. Extraña coincidencia que provocó una eclosión en sus vidas.

También recordaron su camino a lo largo de la vida, los familiares y personas cercanas que nunca volverían. Pensaron en que el camino ya estaba recorrido en gran medida. Pero no estaban tristes, ni se arrepentían de nada. Su felicidad era tan plena que eran capaces de mirar directamente a los ojos de una muerte a la que no temían.

El cantante de Mägo de Oz se retira

2011-10-25T23:04:00.005+02:00

Esta semana no solo ha claudicado ETA, sino que el cantante de Mägo de Oz, José Andrea, abandona el grupo. En su comunicado, que podéis leer íntegramente al hacer click en la imagen, hace alusión al eterno retorno, a Uróboros. Tras hacer una lectura pausada del comunicado intentando descubrir a dónde regresa, observo un detalle que lo desvela. Dice, como se ve en la imagen: "[...] mi etapa junto a ellos a sido la mejor de mi vida [...]". Que cada uno saque sus propias conclusiones del lugar al que vuelve.

Me alegra conocer esta noticia, ya que el rumbo que estaba tomando el grupo desde Gaia II no me gustaba un pelo. No me parece que les beneficiara mucho seguir de la forma en que lo estaban haciendo. Una retirada a tiempo es una gran victoria, aunque creo que deberían haber abandonado antes, pero es mi humilde opinión.

#ChistesImposibles, #famososconmarca o #GameofGiraldas

2011-10-25T10:47:00.008+02:00

Hoy Twitter ha amanecido de buen humor, al igual que yo. Cuando lo he abierto me he encontrado con dos Trending Topics bastante divertidos: #ChistesImposibles y #famososconmarca. Os dejo un par de tuits de cada uno de ellos:

Y ahí van los tuits de #ChistesImposibles:

Más tarde, he visto otro hashtag llamado #GameofGiraldas, haciendo un juego de palabras entre Juego de Tronos, en cuyo escenario está Invernalia, una tierra totalmente gélida, y el calor que hace en Sevilla. Os dejo otro par de tuits:

Relajación a través de la música

2011-10-24T20:57:00.008+02:00

Encontrar un momento para la relajación a veces parece imposible. Y, a veces, no es ni siquiera conveniente, ya que en los momentos destinados a relajarnos podemos dedicarnos a pensar en nuestras preocupaciones sin llegar a conclusiones, en lugar de dejar la mente en blanco para encontrar la paz. Así que como es algo harto difícil, os dejo un vídeo que he encontrado en Yahoo! Noticias (no siempre ponen chorradas, aunque es lo habitual), que ha sido calificado como el tema más relajante del mundo por un neuropsiquiatra, David Lewis. Aunque habrá que ver el estudio que hizo (fue contratado por una empresa de productos de baño), no deja de ser un tema con sonidos muy relajantes.

Perros abandonados

2011-10-24T18:32:00.003+02:00

El sábado por la tarde fuimos a comprar unos pasteles a una famosa pastelería de Algeciras, que está ubicada en la barriada de El Cobre. Cuando me disponía a aparcar el coche vimos un perrito en medio de la carretera, que no se movía. Cuando dejamos el coche estacionado nos acercamos a él (resultó ser ella), y no podía mover sus patas de atrás. Pensaba que era un cachorro, por su tamaño, pero resultó ser una perrita muy anciana, ciega de un ojo y con una hernia que le había provocado una inflamación del tamaño de una pelota de tenis.

Inmediatamente la apartamos de la carretera y la pusimos cerca del coche, sin saber muy bien qué hacer. ¿Llamar a la perrera? Eso nunca. Así que llamé a una amiga de la familia que trabaja activamente en la protectora de animales del Campo de Gibraltar, y sé de sobra que allí los cuidan muy bien y tienen auténtica pasión por ellos. Ya entrevisté a una voluntaria de la protectora, y escribí un artículo para el periódico Europa Sur, así que me hago una idea de cómo son las personas que trabajan allí.

La perrita estaba bastante sucia, y también parecía enferma, aunque lo de la hernia no lo supimos hasta más tarde, así que no podíamos quedárnosla hasta el día siguiente e ir con más tranquilidad a la protectora. Por tanto, decidimos llevarla, pero antes fuimos a ver a esta amiga de la familia que, precisamente, almorzaba con un grupo de alemanes que también colaboran activamente en protectora de animales.

Cuando vi a la perrita, que ya habíamos bautizado como Canela, la tocó sin ningún tipo de pudor ni repulsión y le detectó la hernia. Entonces dijo que era muy vieja, y que una de las mujeres que la acompañaban en su almuerzo adora los perros mayores. La llamó y ambas vinieron al coche para verla, y en cuanto la miró, la cogió con ternura y la abrazó y empezó a darle besos. Sentía un verdadero cariño por el animal.

Intento meterme en sus pensamientos y creo que tuvo que imaginar todo lo que había pasado la pobre perrita. No sentía asco, sino un profundo amor y respeto por el animal que había sido abandonado y, probablemente maltratado.

Como dije, tenía inservibles las patas traseras. Si no hubiera sido porque la cogimos probablemente hubiera muerto en poco tiempo. No pudimos sentirnos más orgullosos y felices de haber ayudado a un pobre animal a encontrar una buena casa en la que vivir los días que le quedan. No sé si esa mujer alemana al final se quedó con la perrita, porque se la llevaron y ya no sé quién cuidará de ella, pero por la ternura que demostró, creo que tuvo amor a primera vista por Canela, que ahora seguro que descansa en un colchón para perros muy cómodo y mullido.

La amiga de la familia que nos indicó qué debíamos hacer y que le encontró un hogar nos ha contado que los alemanes (y, en general, personas de muchos países europeos) son los que verdaderamente adoptan animales, aunque tengan un mal estado de salud. Tienen mejor conciencia sobre los animales, y no buscan siempre el perro bonito y gracioso que tenemos tan estereotipado, sino que muchos prefieren un perro al que puedan ayudar realmente. Me alegra conocer esta noticia, y la mirada de la mujer que, según creemos, adoptó a Canela, nos dio esperanza en estos días en los que se abandonan tantos animales cada día.

"La jeta de la CAM..."

2011-10-20T13:18:00.006+02:00

En la página Web de la Sexta Noticias han cometido lo que creo que es un error. Eso sí, un error tremendamente divertido e irónico. Recordad que la exdirectora general de la Caja Mediterráneo (CAM), María Dolores Amorós, se asignó una pensión vitalicia de 369.497 euros al año. Ahora, se apunta a la lista del paro y quiere reingresar en su puesto de trabajo. Dejo captura de pantalla y enlace a la noticia.

Programación del Festival Internacional de Jazz de Málaga 2011

2011-10-17T18:17:00.002+02:00

Desde hace unos días ya está disponible el programa de la XXV edición del festival de jazz internacional de Málaga. Se desarrollará entre los días 7 y el 13 de noviembre en el Teatro Cervantes como escenario principal, y en el Teatro Echegaray como secundario. Además, habrá por primera vez una serie de proyecciones relacionadas con el jazz programas por el Festival de Málaga de cine español.

Este año, el festival es algo más austero, y se justifica en la apuesta por el jazz europeo. "Es menos conocido, y deberíamos seguir apostando por él", sentenció Miguel Gallego, director de producción de los escenarios municipales de Málaga.

Cuando vi en el periódico la programación del festival me sentí bastante decepcionado, pero tras reflexionar sobre el tema, creo que podemos estar contentos de, al menos, seguir teniendo un festival.

Creo que la parte positiva, como digo, es que no se ha suprimido este festival a pesar de la crisis, y que haya jazz es siempre una buena noticia. Que los protagonistas sean más o menos reconocidos a veces no es un indicativo de que el festival sea de calidad, para afirmar eso debemos esperar a asistir a los conciertos. Además, se da la oportunidad a otro tipo de artistas a tocar en un escenario con cierta tradición.

Programación Teatro Cervantes:

7 de noviembre a las 21:00 horas: Ernesto Aurignac Quartet (España)
8 de noviembre a las 21:00 horas: Randy Weston and his African Rhythms Trio (EE.UU.)
9 de noviembre a las 21:00 horas: Pasadena Roof Orchestra(Inglaterra) Best of more than 40 years
10 de noviembre a las 21:00 horas: Bettye Lavette (EE.UU.)
11 de noviembre a las 21:00 horas: Roy Hargrove Quintet (EE.UU.)
12 de noviembre a las 20:00 horas: María João (Portugal) Ogre
13 de noviembre a las 19:00 horas: Metropolitan Jazz Band de Praga y Eva Eminger (República Checa)

Programación Teatro Echegaray:

7 de noviembre a las 22:45 horas: Irene Lombard (España) Naturah
8 de noviembre a las 22:45 horas: Sarah Quist Quartet (Inglaterra)
9 de noviembre a las 22:45 horas: Sandro Schneebeli´s Boogaloo Quartet (Suiza) Tributo a Lou Donaldson
10 de noviembre a las 22:45 horas: Rosa Ruiz Jazz Quartet (España) Jazz y bossa nova en la noche azul
11 de noviembre a las 22:45 horas: For Free Hands (Alemania) Transversal
12 de noviembre 22:00 horas: Balkanova (Bulgaria)

Dejo el enlace al programa oficial en pdf para el que quiera más información. Espero que vaya mucha gente al festival a disfrutar del jazz, aunque algunos de los grupos sean algo desconocidos para el gran público que, en lo que respecta al jazz, no es que sea demasiado amplio.

Lecturas de verano

2011-08-01T14:00:00.002+02:00

En la vida hay pocos placeres como la lectura y la música. Además, a esto hay que sumarle que estamos en una época mucho más relajada y en la que tenemos más tiempo para dedicar a nuestras aficiones. Así, en el mejor momento de todos, recibí un regalo magnífico: Miles Davis. La autobiografía, escrita por Quincy Troupe, quien trasladó al papel las palabras del trompetista de jazz.

Este texto es una obra maestra. Miles Davis relata al lector, como si estuviera tomando un café con él, sus vivencias desde que era un niño. Las dos grandes virtudes que veo a este libro son lo entretenido que resulta por la cercanía del lenguaje y la calidad de la información que transmite, ya que Miles Davis es una fuente de primera mano de todo lo que ha acontecido en la historia del jazz, ya que él ha escrito gran parte de ella.

Creo que esto se aleja un poco de los best-sellers que acostumbramos a leer en estas fechas, pero yo soy de la opinión de que la mente se tiene que cultivar durante todo el año, y no por estar de vacaciones hay que pasar a lecturas ligeras que lo único que hacen es narcotizarnos. Siempre está bien relajarse un poco pero, ¿qué mejor placer que leer un buen libro?

Como dice una bolsa reutilizable de la tienda FNAC: "A veces tú coges un libro, otras veces el libro te coge a ti". Pues más o menos esto me ha pasado a mí con Miles Davis. La autobiografía, solo que nos hemos cogido mutuamente. Totalmente recomendable.

Michel Camilo trae al Portón un trozo del Caribe

2011-07-10T17:15:00.003+02:00

El pianista dominicano Michel Camilo abrió anoche en el Auditorio Municipal Finca ‘El Portón’ de Alhaurín de la Torre (Málaga) el festival Portón del Jazz. Le acompañaban Michael Bowie al contrabajo y el legendario percusionista Giovanni Hidalgo.

Con esta actuación, que suponía la presentación en España de su nuevo trabajo titulado Mano a mano, Michel Camilo trajo a este precioso enclave un trozo del Caribe más auténtico. Hubo espacio para la bachata, el chachachá, el bolero, el merengue y, por supuesto, para el tumbao.

El concierto fue una auténtica pasada. Todo el mundo ovacionaba a los músicos, sobre todo a Michel Camilo y a Giovanni Hidalgo, ya que el contrabajo no sonaba a un volumen adecuado. De hecho, la única nota negativa que podríamos dar al concierto es la relacionada con el sonido, ya que el piano sonaba, en algunas ocasiones, un poco estridente (sobre todo, en los agudos) y el contrabajo tenía menos volumen del deseado.

De todas formas, esto no consiguió, ni de lejos, enturbiar el espectáculo que ofrecieron anoche estos músicos de primera categoría. Michel Camilo demostró, una vez más, sus habilidades técnicas y su amplio conocimiento de la armonía al poder improvisar con total facilidad sobre cualquier sonoridad y rearmonizar cualquier acorde. Eso acompañado de una percusión imparable e incansable que levantó al público en más de una ocasión.

Todos los temas que tocaron son de su primer trabajo que, como dije antes, se presentaban por primera vez en España y por tercera vez en todo el mundo, ya que antes de llegar al Portón lo habían presentado en la República Dominicana y en Estambul, según explicó Michel Camilo en el concierto.

El primer tema se titula Yes, y comentó que se llama de ese modo porque es una afirmación de sus propias raíces jazzísiticas y latinas. Le siguió una versión ‘blues tumbao’ del tema The Sidewinder de Lee Morgan. La integración del jazz y la música afrocubana estaba realizada a la perfección, esa es la principal baza del pianista dominicano.

Se respiraba un ambiente festivo entre el público, las ganas de bailar estaban a flor de piel y las ovaciones se repetían. Había un lleno absoluto en el auditorio, que se mostró totalmente receptivo a la música y jaleaba, en muchas ocasiones, a los músicos. Fue todo un espectáculo.

Siguiendo con el orden de los temas, tocaron una balada “llena de recuerdos” para Michel Camilo, titulada Then and now. Empezó con una introducción muy emotiva de Michael Bowie con el arco del contrabajo. Este tema tenía una sonoridad bastante oriental, también con notas frigias. El ambiente era mágico, porque a la música se sumaban las ranas croando que había en el estanque del parque y las luces que giraban hipnóticamente alrededor de los músicos.

Tras este precioso tema llegó el que da nombre al disco, Mano a mano, en el que Michel Camilo hizo el que fue, a mi juicio, el mejor solo de la noche. También el percusionista destacó, y sus manos ni se veían de lo rápido que estaba tocando. “¿Entienden ya el significado de mano a mano?”, preguntó al público Camilo.

Después de un bolero bachata y de un merengue llegó la esperada versión del tema Naima de John Coltrane. Los acordes largos y armónicos creaban un halo de misterio, que precedía a arpegios a velocidades disparatadas. A pesar de la dificultad de los ritmos nadie se iba del tempo.

A dos temas del final llegó un tema que recordaba bastante al famoso Caribe, también de Michel Camilo, y el último tema del programa oficial (según podríamos decir) fue bastante intenso a nivel rítmico, ya que los timbales no paraban de sonar, lo que creaba un bonito contraste con el ritmo lento de acordes que hacía Michel Camilo acompañado por Bowie. Cuando terminó, todo el mundo se puso en pie y pidió enérgicamente un bis, que llegó unos minutos después. Todo el público tocó las palmas y las ganas de bailar se podían notar en las personas que estaban alrededor. Era un ambiente festivo total, y el tumbao de Michel Camilo llenaba el aire de notas que nos llevaban a playas caribeñas. Además, la escenografía y la puesta en escena (el percusionista empezó a tocar de pie) fueron espectaculares.

Lo que resulta difícil de entender es cómo pude escuchar a una asistente decir: “esto parece música de Tom y Jerry, ha sonado mucho pumba pumba”. Incomprensible.

John Mayall demuestra que le queda blues para rato

2011-06-19T23:31:00.001+02:00

El padre del blues blanco, quien asegura pasarlo tan bien en los escenarios que no tiene tiempo para pensar en jubilarse, ha demostrado esta noche que le quedan fuerzas para seguir muchos años al máximo nivel.

Acompañado por un grupo de músicos de alta categoría, dio un espectáculo en el Cervantes que los asistentes difícilmente podrán olvidar. A la guitarra eléctrica estaba el texano Rocky Athas; al bajo eléctrico, Greg Rzab, y a la batería, el voluminoso Jay Davenport. Los tres unos músicos espléndidos dignos de acompañar a uno de los máximos exponentes de la historia del blues blanco, aunque me atrevería a decir que del blues en general.

A la calidad de los músicos se sumaba la sonoridad del teatro. Su acústica parece estar calculada al milímetro para que a cada rincón del auditorio lleguen los sonidos en óptimas condiciones. Todos los elementos estaban dispuestos para ofrecer un gran espectáculo.

El concierto empezó con Mayall saliendo solo, y sin protección, a un escenario donde solo reposaban los instrumentos, esperando que los músicos hicieran magia con ellos. Y, al grito de "Are you ready for the blues?" (¿estáis listos para el blues?) empezó a tocar su armónica.

Y a ese tema en solitario le siguieron otros diez, sin contar el bis que tocaron cuando todo el Cervantes, al unísono, pedía que el concierto no terminara, y tocaron el 'Slow Blues' denominado Blues for the lost days. En ese tema, y pido perdón por adelantar acontecimientos, el guitarrista hizo un solo totalmente rockero acompañado por la banda que estuvo, durante todo el espectáculo, totalmente compacta y compenetrada.

En el segundo tema tuvo tiempo de hacer mención a los Bluesbreakers y a Eric Clapton, y le siguió el tema Oh pretty woman, en el que Mayall y Athas tuvieron una bonita conversación con sus instrumentos.

John Mayall, además de tener una voz perfecta para el blues, con una facilidad envidiable para crear matices, tocó el teclado Roland que tenía en el escenario como un bluesman total. Sus capacidades vocales quedaron ampliamente demostradas cuando hizo un scat, típico de las grandes damas de la canción en el jazz y el blues, en The sum of something, de su último disco, Tough, que presentaba en el concierto. Y de cómo toca la armónica creo que poco hay que decir que no se sepa ya.

Aún no he hecho mención del bajista y el baterista, pero no por ello dejaron de impresionar a un servidor y al público. Rzab, infatigable, faenaba en sus 'walking bass' de los temas con más swing, e hizo dos solos que hicieron que el público no dudara un segundo en aplaudir. De hecho, creo que Rzab fue quien se llevó los aplausos más sonoros. En el tema Chicago life, hizo un solo alucinante con slap incluido, y fue uno de los más rockeros de la noche.

Como última nota del bajista, me recordó respecto a su forma de tocar el bajo a nivel expresivo y de digitación al mejor maestro del bajo eléctrico, Jaco Pastorius, pero esto es una impresión personal.

Por su parte, el baterista, Jay Davenport, mostró unas tablas excelentes y, aunque no destacó por hacer continuos solos, lo hizo por su profesionalidad e innovación con los ritmos. Tiene buen swing y es capaz de jugar con la intensidad a su antojo.

En definitiva, ha sido un concierto espectacular, y cualquiera de las personas que ha estado puede confirmarlo. Además, en él se podía observar claramente la historia del blues, desde sus comienzos hasta en lo que desembocó: en el rock & roll.

Noche de ritmos imposibles en el Museo Picasso de Málaga

2011-05-14T11:42:00.001+02:00

Cuando llegué al Museo Picasso lo primero que me llamó la atención fue que la batería tenía uno de los platos muy alto. Pensé que quizá sería porque el baterista pensaba levantarse para darle al final de algún tema y hacerlo más espectacular. Estaba así porque Ches Smith tiene los brazos bastante largos, y para llegar cómodamente allí necesitaba que estuviera a una altura considerable. Y no fue lo único curioso que pudieron observar los espectadores que llenaron el auditorio del Picasso.

El primer tema parecía anunciar cómo sería, en líneas generales el concierto. Pero me volví a equivocar como lo hice con el plato del señor Smith. El primer tema fue totalmente experimental. Sobre todo, introdujeron muchos sonidos nuevos con la batería, como arrastrar la punta de la baqueta por los platillos, o con la batería electrónica pequeña que tenía a su izquierda Ches Smith. Lo que más me gustó es que todo lo que hacían tenía muchísimo sentido, ya que muchas veces los que hacen 'experimentación' parece que tocan notas al azar.

Hasta ahora no he nombrado a Marc Ribot, excelente guitarrista (muchos lo recordaréis como acompañante de Tom Waits en algunas giras o en el disco Rain dogs). Ribot, a pesar de tener un nivel técnico impresionante y una sensibilidad abrumadora, no quiso alardear de sus capacidades, y no fue un protagonista exclusivo del combo, en el que se podría decir que tenía más protagonismo el baterista.

Ches Smith se encargó toda la noche de hacer ritmos imposibles, y de dar un nivel de intensidad al concierto de la categoría de los mejores conciertos de rock. Y eso que, supuestamente, era un concierto de jazz. Pero creo que eso poco importó a los asistentes, ya que todos sabíamos que íbamos a escuchar mucha experimentación, sonidos nuevos y, con suerte, rock and roll. Y hubo mucho rock, para sorpresa de algunos (entre ellos yo mismo).

El bajista pakistaní Shahzad Ismaily, con sus pies descalzos, fue un auténtico héroe. Mientras Ribot improvisaba y Smith hacía ritmos imposibles que se iban totalmente del tema, era el único que mantenía el ritmo del tema que tocaban. Y os aseguro que tuvo que concentrarse mucho para hacerlo. Los que estuvieron allí lo saben. Lo mejor de este trío es que siempre volvían, perfectamente, al punto de partida.

Uno de los temas que es necesario destacar es la versión del tema Take Five, de Paul Desmond. Se creó un contraste espectacular entre el rock duro del tema anterior con este tema puramente jazzístico, en el que la banda demostró que se puede enfrentar al jazz, al rock y a todo tipo de ritmos y salir indemne. Pero es que, además, en el tema anterior hicieron un contraste entre la suavidad de la guitarra y la dureza de la batería para dar paso al rock bastante duro que precedió a Take Five. Una auténtica pasada.

El final del concierto, por si el público no había disfrutado suficiente con, por ejemplo, la adaptación al blues de Stop me, tocaron como bis (después de que el público aplaudiera sin descanso durante los minutos que los músicos se fueron del escenario, Wind cries Mary, de Jimi Hendrix. Esto lo pudimos adivinar por la letra, porque era una versión totalmente libre y en la que no se dejaba entrever la armonía de la composición de Hendrix. En este tema entraron en éxtasis y empezaron a atentar contra los objetos que había dispuestos en el escenario. Pudimos ver cómo el baterista daba una patada a uno de los altavoces que tenía alrededor (aunque eso no sorprendió, ya que las baquetas volaban por el escenario cuando las rompía), o a Ribot pegando otra patada de Ribot a su atril o un puñetazo a su micrófono.

Aunque todo el público se puso en pie tras este tema, la banda se marchó, aunque apareció Shahzad para ofrecer al público el disco del grupo en el que versionan bandas sonoras de películas, Silent Movies, del que interpretaron un tema.

Ficha: Marc Ribot (guitarra, voz); Ches Smith (batería, percusión, electrónica, sintetizador); Shahzad Ismaily (bajo eléctrico, percusión).

Ban Ki-moon está aliviado con la muerte de Bin Laden

2011-05-11T11:25:00.006+02:00

El secretario general de las Naciones Unidas (ONU) asegura estar aliviado con la muerte de Bin Laden. Además, dice que se ha hecho justicia. ¿Cómo se puede meter tanto la pata en tan pocas palabras?

Hace unos minutos leí en Eskup (las noticias y comentarios de última hora de El País) lo siguiente:

Ban Ki-moon, "aliviado" por la muerte de Bin Laden. Sobre cómo se llevó a cabo la operación, el jefe de la ONU ha argumentado que se realizó "en condiciones muy difíciles y complicadas". "Me siento aliviado de que se haya hecho justicia con este inspirador del terrorismo".

Me siento enormemente decepcionado por dos motivos. El primero es que el secretario general de las Naciones Unidas, máxima institución de representación de los Estados y de los ciudadanos a nivel internacional, está desaparecido. Apenas tiene una participación férrea en la ONU. No sé si hace algo pero, al menos, no se le escucha.

El segundo motivo que tengo para estar decepcionado es que, para una vez que habla, dice dos barbaridades. La primera es que se siente aliviado por la muerte de Bin Laden. Parece ser que no prevé que la situación puede mantenerse igual que siempre aunque haya muerto este líder, ya que la organización de la banda terrorista es bastante horizontal, y no jerárquica. La segunda barbaridad es que piense que se haya hecho justicia.

¿Qué justicia? ¿Cómo puede ser justo que se entre en casa de una persona, arrasando y, estando desarmado, se le dispare tres veces? ¿Cómo puede ser justo que una persona, sin poder defenderse, sea asesinada a sangre fría a pesar de todo lo que haya hecho?

No nos confundamos, Bin Laden ha hecho muchísimo daño y tiene una cuenta personal de muchas personas asesinadas a su cargo. Pero creo que deberían haber intentado capturarlo y ponerlo a disposición de las verdaderas entidades jurídicas. ¿Qué capacidad tiene un soldado en esa situación para saber qué es justo? ¿Y qué capacidad tiene un alto mandatario del Pentágono o de la Casa Blanca para ordenar matarle aunque esté indefenso?

La semana pasada, un representante de la Casa Blanca decía que Bin Laden opuso resistencia, y por eso lo mataron. Un periodista le preguntó que cómo puede oponer resistencia alguien desarmado, a lo que contestó que sí, que igualmente podía hacerlo. En otras noticias se decía que Bin Laden parecía asustado y aturdido cuando entraron los Seals. Como decía George W. Bush, "hay que coger a Bin Laden vivo o muerto". Obama pensaba lo mismo. Pero como asegura Ramón Lobo en su espléndido artículo titulado "¿Vivo o muerto? Mejor, muerto", Bin Laden iba a dar más problemas vivo que muerto.

En definitiva, solo quiero dejar clara mi postura contraria a la pena de muerte, y mucho menos sin un juicio justo, sea en Estados Unidos, en Pakistán o, como creo que debería ser, en un tribunal de jurisdicción internacional, ya que Bin Laden no solo ha atentado en Estados Unidos, sino, sin ir más lejos, en Madrid en el año 2004.

Articulo publicado en el periódico digital Málaga al Minuto.

La homeopatía se inventó en un mal momento para la medicina

2011-05-05T14:44:00.002+02:00

La homeopatía está basada en dos principios que se han mantenido intactos desde su origen. El primero es la disolución infinitesimal de las sustancias, es decir, diluir un compuesto determinado en agua, a una concentración tan baja que no quede prácticamente nada del mismo en ella. Según los homeópatas, cuanto menor es la concentración de la sustancia, mayor será el efecto del medicamento.

El otro principio fundamental de la homeopatía es el que proporcionó el griego Hipócrates: semejante cura a semejante. Esto quiere decir que una sustancia que provoca unos determinados efectos es la misma capaz de curarlos, pero a una dosis mucho menor. Por tanto, si la ingesta de corteza de chinchona provoca fiebres, sudoración y dolor de cabeza, una cantidad muy baja de esta corteza curará estos males.

Precisamente, Hahnemann, quien originó la homeopatía, reconocía que la idea de emplear sustancias que producen síntomas similares para curarlos se le ocurrió cuando, al tomar una infusión de corteza de cinchona, experimentó síntomas parecidos a los de la malaria, enfermedad que se trataba en aquella época precisamente mediante la corteza de cinchona, rica en quinina. Irónicamente, todo parece indicar que lo que pasó es que Hahnemann sufría de alergia a la quinina.

Y es que Hahnemann fue un personaje curioso. Hay que tener en cuenta que cuando inventó la homeopatía, hace 200 años, la medicina era muy distinta a como lo es hoy. De hecho, mucha gente moría a causa de la medicina, ya que no se encontraban remedios eficaces para curar las enfermedades o que, incluso, eran perjudiciales.

Así que este médico solo trató de encontrar una forma alternativa de hacer medicina, que salvara vidas. Pero sus métodos, a veces, no eran del todo ortodoxos, al menos vistos desde un prisma actual. Un ejemplo de ello es que golpeaba con la Biblia las disoluciones que preparaba.

Y, respecto a la elaboración de los medicamentos homeopáticos, se observa que las disoluciones que se realizan tienen una concentración muy baja en comparación con cualquier tipo de medicamento. Tan baja, que, como se explicó antes, llega a no haber casi ningún indicio de la sustancia diluida, porque la concentración llega a ser de 10-30.

La no existencia de ninguna sustancia original se explica fácilmente con el número de Avogadro del que se deduce, por simplificar, que en una disolución con una concentración menor a 10-23, no hay ninguna posibilidad de que exista una sola molécula de la sustancia original.

Un ejemplo muy ilustrativo sobre esto lo explicó Ben Goldacre en su libro Bad Science: “Imagina una esfera de agua con un diámetro de 150 millones de kilómetros (es la distancia que hay entre la Tierra y el Sol). La luz tarda ocho minutos en recorrer ese espacio. Imagina una esfera de agua de ese tamaño con una molécula de una sustancia disuelta en ella: eso es una dilución 30 CH (para los pedantes: es 30.89 CH)”.

El esfuerzo que hacen los laboratorios farmacéuticos homeopáticos, según explica el laboratorio Boiron en su página Web, es el de conseguir disoluciones con concentraciones más bajas todavía, para que el efecto sea mayor. “Lo infinitesimal es un reto científico”, sentencia la Web.

Numerosos estudios, realizados por entidades independientes, es decir, no por los propios laboratorios que elaboran los productos homeopáticos, demuestran que la eficacia de estos productos es nula, aparte del placebo. Lo que se preguntan los científicos es, si se trata de un placebo: ¿por qué gastar el dinero que cuestan los medicamentos homeopáticos cuando existen placebos mucho más baratos? Por tanto, hay que tener en cuenta el interés económico de los grandes laboratorios farmacéuticos por dar a la homeopatía validez científica.

Los científicos, según afirmó el divulgador científico Fernando Frías, tienen la obligación de proporcionar información para que todo el mundo sepa qué es y qué no es la homeopatía. “La divulgación científica debe incluir, en mi opinión, la denuncia de la pseudociencia, y más en un campo como el de las terapias milagrosas que pueden resultar dañinas para la salud o, incluso, mortales”, recalcó. Así, consideró necesario mirar con escepticismo hacia la homeopatía “porque se promueve muchas veces como algo contrario y antagónico a la medicina científica, de modo que fomenta la desconfianza y el rechazo hacia los tratamientos científicamente probados”, apuntó.

Boiron y Heel: los principales laboratorios homeopáticos

La doctora Margarita Souviron citó los estudios realizados por los laboratorios Boiron y Heel que validaban la homeopatía a través de sus estudios. Estos dos laboratorios son los principales productores de los medicamentos homeopáticos, y están involucrados en algunas de los másteres o cursos de posgrado que se imparten en universidades españolas. Todo esto, según afirman algunos científicos y divulgadores, es un intento de dar legimitimidad a la homeopatía, ya que mueve grandes cantidades de dinero.

Por tanto, podríamos estar ante un entramado cuidadosamente cuidado y elaborado por la industria farmacéutica para conseguir vender estos productos a una población poco informada sobre cuáles son los efectos reales de la homeopatía, descuidando así su salud, por no tratarse de la forma adecuada.

La homeopatía: ¿pseudociencia?

2011-05-04T09:51:00.004+02:00

En el año 2001 nació Gloria Thomas, una niña a la que le fue diagnosticado un eccema. A pesar de ser una enfermedad con una curación sencilla, contando con las complicaciones que tiene al tratarse de un bebé, sus padres decidieron no seguir el tratamiento que le fue prescrito. Su padre, Thomas Sam, era profesor de homeopatía en Australia y le aplicó, exclusivamente, remedios homeopáticos. El resultado: Gloria falleció con nueve meses de vida.

La doctora Margarita Souviron explicó, ante esta historia, que puede haber muchos casos aislados, en los que la homeopatía pudo estar mal prescrita, no se puso el remedio necesario o estaba la enfermedad en un estado muy avanzado. Pero ya ha habido multitud de casos, y eso preocupa a los científicos.

Otra historia similar es la de Penelope Dingle. Tenía cáncer de colon y su terapeuta homeopática, y probablemente su marido, conocido promotor de remedios alternativos en la televisión australiana, le convenció para que se sometiera a un tratamiento exclusivamente homeopático. Murió entre horribles sufrimientos, hasta el punto de que sus hermanos solicitaron una investigación oficial. Y similares a estos dos casos hay otros muchos.

En cambio, la doctora Souviron aseguró que cualquier enfermedad puede tratarse con la homeopatía, aunque la curación es otra cosa distinta. “El concepto de curación depende del momento en que esté la enfermedad, no solo en la homeopatía, sino en cualquier disciplina”, aclaró.

Además, apoyó su argumentación en que existen estudios científicos que prueban la eficacia de la homeopatía. En su favor, estudios realizados, en sus palabras, por el laboratorio Heel o Boiron, que son de los que producen mayor volumen de medicamentos homeopáticos. En su contra, muchos más estudios realizados por científicos que no tienen el interés comercial que, claramente, tienen las revistas que publican estos laboratorios, y que determinan que la homeopatía no produce más que un efecto placebo.

Esta postura es la que defiende Fernando Frías, divulgador científico. “Fundamentalmente, el efecto es un placebo, aunque existen otros mecanismos que explican el efecto que parece producir la homeopatía: la regresión a la media, el efecto Hawthorne, la parcialidad de los observadores, etc., pero en estudios controlados, una vez eliminados estos factores, lo único que aparece es un efecto placebo”, explicó.

En cambio, la doctora Souviron afirmó que no es un placebo, ya que, en sus 20 años de práctica, le ha dado muy buenos resultados en sus pacientes. Además, “es efectiva en niños pequeños que no tienen conocimiento consciente de que están tomando nada”. Sin embargo, algunos científicos consideran que, aunque no exista este efecto placebo en niños, muchas dolencias, como el asma o algunos cólicos, se curan con el paso del tiempo o con la llegada de la adolescencia, y se agradece a la homeopatía.

Resulta curioso que muchos medicamentos homeopáticos incluyan principios activos de la medicina convencional. “Es incongruente”, afirmó Frías. La doctora Souviron explicó que los medicamentos homeopáticos pueden incluir cualquier sustancia, sea sintetizada químicamente, orgánica o mineral, “solo hay que saber cómo diluirla y administrarla en una dosis baja”, añadió. Frías encuentra otra explicación a la inclusión de estos principios activos: “En España, la Administración aún no ha autorizado la venta de ningún medicamento homeopático, pero la tolera. Además, es una estrategia de la mercadotecnica, ya que vender un producto con un principio activo de eficacia comprobada puede ayudar a dar prestigio a los productos puramente homeopáticos”.

Sobre el auge en la actualidad de la medicina homeopática, la opinión de Souviron es que estamos volviendo a la naturaleza, a buscar alternativas cuando la medicina más química no es capaz de cubrirlo todo. Frías, aseguró que la razón más importante es un tanto irónica, ya que se debe al éxito de la medicina científica: “Nos hemos acostumbrado a esperar que todas las dolencias tengan su tratamiento, y no nos resignamos a los dolores crónicos, efectos secundarios o al hecho inevitable de que conforme envejecemos nos deterioramos”.

¿Y es perjudicial la homeopatía? Frías afirmó que, a pesar de que los productos homeopáticos son inocuos, en personas que necesitan un tratamiento médico real, el hecho de sustituirlo por uno homeopático puede suponerle la agravación de la enfermedad o la muerte.

También resulta paradójico que, a pesar de todos los argumentos que esgrime la comunidad científica sobre la homeopatía, algunos colegios médicos, como el Colegio Oficial de Médicos de Málaga, defiendan esta práctica y la acojan. “Esto es especialmente lamentable, porque dan una apariencia de seriedad y rigor científico a la homeopatía que no tiene”, apuntó Frías.

En los últimos años, la homeopatía está entrando fuerte en la universidad, con la cátedra de homeopatía en la Universidad de Zaragoza u otros muchos cursos de posgrado. “Hace unos años ni se podía imaginar esto. Creo que debería estudiarse la homeopatía, así como la medicina tradicional china y la fitoterapia, para que cualquier médico que se precie conozca la homeopatía antes de terminar la carrera”, dijo Souviron.

La homeopatía, si quiere tener validez científica, deberá probar de forma consistente que no es solamente un efecto placebo. La doctora Souviron explicó que la homeopatía se basa en los principios de Hipócrates, es decir, que semejante cura a semejante, pero utilizando dosis infinitesimales. Y es que en una disolución con una concentración de la sustancia menor a 10-30, es decir, como sucede, como mínimo, en la mayoría de los medicamentos homeopáticos, es imposible que exista ninguna molécula de la sustancia original por lo que se deduce del número de Avogadro.

Pero es que, según aseguran los homeópatas, cuanto menor es la concentración de la sustancia, mayor es su efecto. Es una de las grandes contradicciones que existen entre la homeopatía y la ciencia: que la no sustancia en un producto homeopático pueda curar enfermedades.

La muerte de Bin Laden en los medios y en Internet

2011-05-03T16:35:00.005+02:00

Ayer, Estados Unidos asesinó al máximo líder de la organización terrorista Al-Qaeda. Tras algo menos de 10 años de búsqueda, lo encontraron y lo mataron. Parece ser que los dirigentes políticos de muchos Estados se han quedado tranquilos, y que creen que es un golpe durísimo para la organización. Yo no comparto esta opinión, porque creo que Al-Qaeda tiene un sistema totalmente horizontal, y las células trabajan de forma bastante independiente.

Pero esto ha sido muy bueno para los medios de comunicación. Los medios llevan un año bastante intenso en cuanto a información interesante que explotar. Los cables de Wikileaks, las revoluciones en el norte de África, el terremoto y tsunami en Japón (con la consecuente catástrofe nuclear, que dará para llenar muchas páginas de periódico todavía), etc. Lo que me resultó más sorprendente, y ha sido lo que ha inspirado hacer esta entrada, es la de medios que han tenido algún error a la hora de publicar algo tan básico como el nombre de Bin Laden o Al-Qaeda. Allá vamos

Empezamos por Estados Unidos:

En esta imagen hay dos errores bastante serios: el primero (rodeado en amarillo), habla de Obama, un lider terrorista. Y, el segundo, es la aclaración de más abajo, donde dice que se trata de la muerte de Usama Bin Laden, también mal escrito, ya que si se esribe Usama, se debe seguir de Bin Ladin. En cambio, si utilizamos Osama, podremos continuar con Bin Laden. No hay un consenso sobre la traducción del nombre original: Usamah bin Muhammad bin Awad bin Ladin.

Volvemos a ver escrito que muere Obama, no Osama.

Y regresamos a España para ver un ejemplo bastante triste, ya que El País es el periódico de referencia más importante de nuestro país:

Obama, miembro secreto de la familia Laden, ha muerto.

Otra cosa que me gustaría comentar es que muchos medios de comunicación publicaron una fotografía donde aparecía, supuestamente, Bin Laden muerto, sin hacer ningún tipo de comprobación. Hoy, han dicho que era falsa. Eso es un error de los gordos.

Para terminar la entrada, me gustaría poner un par de enlaces a grupos de Facebook que han surgido tras la muerte de Osama Bin Laden:

Siempre es bueno tener buen sentido del humor, sobre todo cuando empiecen los atentados que ha anunciado Al-Qaeda. Veremos qué pasa.

Esta recopilación de errores, con otros muchos, la encontré en failblog.org (enlace directo a la entrada aquí).

Oscar Peterson - Salute to Bach

2011-02-18T20:04:00.002+01:00

Bug en el español

2011-02-10T13:26:00.005+01:00

Acabo de leer (enlazado en Menéame) un artículo del blog Un arácnido una camiseta muy interesante, de esos que a mí me gustan. Dejo copiado todo el texto y, al final, el enlace al artículo original.

La palabra que no se puede escribir

Por eosar

Hace unos días le hice una consulta a la RAE, ¿cómo se escribe el imperativo de salirle? Su respuesta fue la siguiente:

En relación con su consulta, le remitimos la siguiente información:

La interpretación forzosa como dígrafo de la secuencia gráfica ll en español hace imposible representar por escrito la palabra resultante de añadir el pronombre átono le a la forma verbal sal (imperativo no voseante de segunda persona de singular del verbo salir), oralmente posible si, por ejemplo, ordenáramos a alguien salir al paso o al encuentro de otra persona aludida con el pronombre le: [sál.le al páso], [sál.le al enkuéntro].Puesto que los pronombres átonos pospuestos al verbo han de escribirse soldados a este, sal + le daría por escrito salle,cuya lectura sería forzosamente [sá.lle], y no [sal.le]].

Hemos topado, por tanto, con el que quizá sea el único bug de la ortografía española. Una palabra que existe gramaticalmente y se puede pronunciar, y que sin embargo no se puede escribir. ¿En la siguiente ortografía de la RAE incluirán alguna solución para esto? ¿Quizá un guión?

Muchas gracias a Brais, quien detectó inicialmente el problema.

Enlace a la fuente

Google Art Project: el nuevo juguete de Google

2011-02-03T09:15:00.002+01:00

Yo siempre digo que mis tres empresas favoritas son: Google, Mercadona y Apple. Ha subido puestos Google tras la creación de su nueva Web: Google Art Project. En esta página tenemos acceso a visitar algunas de las galerías de arte más prestigiosas del mundo como si fuera Google Street View. Entre ellas están el Museum of Modern Art de Nueva York, el Van Gogh Museum de Amsterdam o el Reina Sofía de Madrid. Todas han apoyado el proyecto (no penséis que se ha metido un tipo con cámaras en el museo de incógnito), por lo que es algo totalmente legal y gratuito para los internautas. También, Google ha digitalizado una obra de cada uno de los museos implicados en una gran resolución. Os invito a admirar esta maravilla tecnológica.

¡Nos invaden los zombis!

2011-02-02T01:55:00.004+01:00

Con las manos agrietadas por el frío de esta gélida noche me dispongo a escribir sobre algo que me tiene fascinado desde la pasada Navidad. Todo empezó cuando, una tarde, dije a mi padre: "voy a ver una serie que está muy bien, ¿te apuntas?". Me dijo que vale, que cuál era, a lo que le contesté que The Walking Death. Le comenté que iba de zombis (caminantes, como los llaman en la serie), y me dijo que no quería ver una serie de zombis, que no le gustaba. Por cierto, padre, te has perdido una gran serie. Un par de días más tarde le dije que iba a ver una película. Me preguntó que cuál era y le dije que 28 días después. También rechazó verla porque, aunque sean infectados por algo parecido a la rabia, son zombis a la vista de un inexperto en esta materia (Zombilogía, quieren aprobarlo como posgrado en la Universidad de Zaragoza). Al día siguiente no le ofrecí ver conmigo Resident Evil porque conocía de sobra su respuesta. Lo que me di cuenta es que hay muchísimas películas de zombies.

Hoy he vuelto a pensar en el tema porque he ido al FNAC de compras y he visto el cómic en el que está ambientada la serie The Walking Death. Una lástima que no tuvieran el primer tomo, ya que me lo hubiera comprado sin dudarlo, pero está agotada la edición. Al lado de ese cómic había otro de muertos vivientes (creo recordar que ponía algo de Sherlock Holmes contra los zombis). Justo debajo, una edición ilustrada de la famosa Guía de Supervivencia Zombi.

Realmente los zombis son todo un fenómeno, y no sé si esto me alegra. Cada vez que veo una película de estos seres (estoy a la espera de leer los extraordinarios artículos que sacarán quienes hagan el posgrado en Zaragoza para entenderlo mejor) aprendo algo nuevo y adquiero conocimientos que, seguro, me servirán en caso de que los zombis lleguen a nuestros hogares a través de puertas y ventanas. En fin, os dejo que reflexionéis sobre este tema. A partir de ahora, veréis que los zombis están en todas partes.

Mickey Mouse Zombi. Visto en noticiasraras.info

Posdata: es curioso que un zombi lleve una tirita puesta, ¿verdad?

Con toda la razón, señora diputada

2011-01-31T16:28:00.000+01:00

Dijo lo que tenía que decir. Esperemos que no sea la única diputada de UPyD tras las próximas elecciones.

Palabras que nunca olvidaré

2011-01-27T02:04:00.001+01:00

El profesor Richard Dawkins, en una conferencia ofrecida en Berkeley en el año 2008 (según tengo entendido), pronunció unas palabras acerca de la muerte que serán difíciles de olvidar. Prestad extrema atención a lo que dice.

En Internet hay buen periodismo

2011-01-24T14:04:00.004+01:00

Habitualmente escucho a profesores o leo a entendidos decir que Internet va a suponer el fin de la prensa tal como la conocemos. Coincido, en cierto modo, con esa afirmación. Pero muchos aseguran que no se puede hacer buen periodismo en Internet, ya que no se contrastan las fuentes y, por tanto, uno no puede confiar en lo que lee en la Red. Bueno, no sé si algún día me aventuraré a escribir una entrada seria hablando sobre mi opinión acerca del futuro del periodismo y de la prensa, pero de momento me voy a limitar a defender un poco al periodismo en Internet.

Hace unos meses tuve un punto de inflexión en mi visión sobre mis perspectivas profesionales. Yo estaba pensando en especializarme en el periodismo cultural, sobre todo en el musical, pero finalmente decidí que me gustaría hacer otro tipo de periodismo, más profundo, y que requiera de investigación y mucha documentación. Por este motivo, empecé a buscar páginas Web en las que se hiciera periodismo riguroso de investigación.

La primera que encontré fue The Bureau of Investigative Journalism, y en ella se publicaron artículos de investigación sobre la famosa gripe A y demás asuntos de interés público. Más tarde me crucé con un artículo en El País que hablaba de una iniciativa estadounidense llamada ProPublica. En esta página Web se publican artículos de investigación elaborados por un equipo muy profesional dirigido por Paul Steiger. A partir de mi descubrimiento de ProPublica empecé a buscar otras páginas Web y encontré una en español: Periodismo Humano. Esto fue toda una revelación para mí, y es una fuente de inspiración y motivación profesional.

Aquí os dejo esos tres ejemplos de páginas Web que combinan perfectamente las ventajas que da Internet, como un diseño atractivo, enlaces que completan la información o informaciones multimedia, con un periodismo profundo y de calidad.

Myra Melford plays blues!

2011-01-22T19:53:00.004+01:00

Yo desconocía a este gran pianista hasta que la vi en directo el pasado mes de noviembre en Málaga. Su concierto me encantó, pero no escribí sobre él en el blog porque cuando tuve tiempo para hacerlo habían pasado varios días. Esta mujer me dejó completamente alucinado. Me impresionó primero por su sencillez como persona y humildad. Estuvo muy agradecida al público y dio un concierto realmente espectacular. Sus composiciones eran largas, con un tono intimista y pausado (pero con mucha intensidad), que me recordó al de las obras de Marilyn Crispell, quien también me parece una brillante pianista y compositora. Lo que me sorprendió del concierto de Melford fue que, para terminar, nos tocó un excelente blues, similar al que he encontrado esta tarde en Youtube.

Como ya dije, ando algo liado, así que voy a limitarme a poner vídeos de vez en cuando que me gusten por algún motivo. Este, estoy seguro que lo vais a disfrutar mucho. Y a quienes no conozcan la obra de Melford o de Crispell, les invito a que lo haga.

Kenny Barron - So What

2011-01-18T14:48:00.002+01:00

Os dejo un vídeo (no tiene imágenes del grupo tocando, solo tenéis que fijaros en el audio) de un trío de excepción tocando un tema de excepción. El trío lo forman Kenny Barron al piano, Ron Carter al contrabajo y Lewis Nash a la batería. Lo he descubierto esta mañana y me ha encantado. Espero que lo disfrutéis.

En mi calle viven algunos gatos jazz

2011-01-06T00:18:00.006+01:00

Supongo que muchos de vosotros habéis visto Los Aristogatos, una famosa película de Disney. Trata sobre la vuelta a casa de Duquesa, una gata cuya dueña es una anciana muy rica, ya que el mayordomo de su ama los ha abandonado lejos de su hogar para hacer creer a la mujer que sus gatitos, a los que iba a dejar su gran herencia, estaban muertos. Entonces, Duquesa, se encuentra con Tomás, un gato callejero. Este empieza a sentir algo por la gata de clase alta, y le ayuda a regresar a casa con la ayuda de unos amigos suyos, que son músicos de jazz.

Los que me conozcan, ya sea personalmente o a través de este blog o del que escribo sobre jazz, saben que una de mis grandes pasiones es el jazz, por tanto, esta película me encanta. De paso, aprovecho para dejar aquí el enlace a uno de sus mejores y más simpáticos momentos.

Bueno, Disney tienen más películas en las que el jazz tiene cierta importancia. La primera que me viene a la mente es 101 Dálmatas, en la que el dueño del perro es compositor de jazz. Las bandas sonoras de las películas de Disney, y también las de Pixar, suelen utilizar bastante este género musical. En fin, voy ya al tema.

Hace un rato estaba en casa y quería llamar por teléfono, y decidí salir fuera porque hacía buena temperatura. Mientras estaba en ello, vi que un gato estaba mirándome en el parque donde estaba hablando. Me llamó la atención porque no se movía, y parecía estar bastante tranquilo. Decidí acercarme mientras estaba todavía al teléfono, y el gato empezó a andar alrededor mío. Esto me sorprendió todavía más, porque sé que estos animales son bastante ariscos. Además, tengo un perro y su olor no pareció provocarle desconfianza alguna.

Cuando terminé la llamada, en mi asombro, intenté tocar al gato porque parecía estar limpio (estaba impoluto). Esto no sé si es apropiado hacerlo, porque podría arañarme o morderme y transmitirme alguna enfermedad, pero, no sé, el gato parecía inofensivo. Al fin, le acaricié y pareció estar muy a gusto. Creo que tenía más miedo yo que él (o ella), porque a los gatos (al igual que a los pechos grandes de mujer) les tengo cierto respeto. Al final el gato terminó, no sé cómo, sentado al lado mía en la puerta de mi casa ronroneando mientras le acariciaba. Se subió encima mía, se tumbó a mis piernas y estuvo bastante tiempo a mi lado.

Yo estaba empezando a cogerle cariño al gato, pero no podía quedármelo porque, como he dicho antes, tengo un perro. Además, mi perro es bastante posesivo. Así que no sabía muy bien cómo separarme de él. Lo que yo no había pensado es que ese era un gato jazz, un alma libre, al que yo importaba bastante poco. En cuanto vio a otro de sus colegas me ha mirado, estuvo unos largos segundos con la vista fija en mí, y se fue por ahí a seguir vagando por las calles.

La reunión satisface a creadores e internautas

2010-12-30T19:34:00.011+01:00

Hoy se ha celebrado un encuentro entre creadores e internautas en la sede de la Academia de Cine convocada por su presidente, Álex de la Iglesia. En ella, han tratado de buscar soluciones que satisfagan a ambas partes y qué puntos tienen en común. He leído la noticia en varias ediciones digitales de periódicos y, como resumen, me voy a quedar con unas palabras recogidas por El País de Julio Alonso, fundador de Weblogs, SL:

"Nosotros hemos explicado las dificultades y problemas que creemos que tiene la ley Sinde. Uno de los puntos fuertes ha sido el del cambio en el modelo de negocio y cómo puede la industria tener éxito en Internet. Hay que buscar fórmulas para que la industria haga negocio pero que también los usuarios tengan acceso a contenidos que les satisfagan desde el punto de vista económico"

El punto fuerte, según comentaba también Alonso, ha sido que se han acercado posturas y que se ha escuchado a la otra parte para tratar de entenderla. En general, creo que ambas partes están satisfechas con la reunión. Los que quieran leer la información completa sobre esto que hagan click aquí (El País), aquí (rtve.es), aquí (ABC) o aquí (ABC también).

Los internautas han reconocido que los creadores deben tener una remuneración por su trabajo, lo que es un buen punto de partida, y es algo de lo que no hablé en mi entrada anterior sobre este tema. Aprovecho para aclarar algunas cosas que dije. Escribí sobre el tema bastante exaltado.

Creo que el gran defecto de la ley Sinde es que se ríe del Poder Judicial español. Da a una comisión del Ministerio de Cultura la "potestad de decidir si desde una página web se están vulnerando derechos de propiedad intelectual procediendo, en caso de que así lo consideren, al cierre de la misma o a la retirada del contenido objeto de controversia", según palabras de David Bravo. Al Poder Judicial quedaría autorizar el cierre de la página, pero no puede supervisar la investigación que haya realizado la comisión. Si queréis profundizar en esto, leed la carta que envió el abogado (y asistente a la reunión) David Bravo al Consejo Superior del Poder Judicial a propósito de la ley Sinde, y de la que extraje la cita anterior.

Por tanto, no estoy a favor de la gratuidad absoluta. Considero obsoleto el modelo de la industrial cultural hoy en día. Creo que los grandes perjudicados del tipo de negocio cultural actual también son los autores. Estos reciben solo una parte muy pequeña de lo que se obtiene a través de la venta de discos, libros, etc.

La solución al problema no la sé. Cada uno tendrá unas ideas y defenderá una postura. Yo, por ejemplo, creo que los músicos deberían ganar dinero a través de los conciertos, y solo dejar los discos como forma de darse a conocer. Es decir, si tuviera un grupo, permitiría descargar mis discos gratuitamente para darme a conocer a un público muy amplio para, así, llenar salas de concierto. Esto lo están haciendo muchos músicos, pero tampoco creo que sea el remedio a este problema. ¿Qué hacen entonces los escritores? Es un problema bastante complejo y que, realmente, es consecuencia de la propia naturaleza de Internet.

En la entrada sobre la ley Sinde del día 20 de este mes hablaba de Internet como una red libre de intercambio de conocimientos, pero tampoco puede serlo a costa de que los autores no tengan ingresos por su trabajo (por supuesto, Alejandro Sanz o David Bisbal no van a morirse de hambre, hablo de otro tipo de autores). Esto no podrá cambiar hasta que las empresas vean Internet como una fuente de dinero y no como un enemigo.

Por cierto, "no importa", muchas gracias por hacerme pensar.

Ahora escucho: Stan´s Blues (Bill Evans Trio featuring Stan Getz - But Beautiful).

Cierra CNN+ después de más de 11 años

2010-12-28T19:54:00.005+01:00

Hoy es un día triste para todos los españoles. No solo para los que estudiamos carreras relacionadas con la comunicación ni para los que queremos ejercer el periodismo. Es triste para todas las personas amantes de la pluralidad informativa y de la buena televisión. Actualmente, la mayor parte de la programación de la caja tonta son reality shows, programas del corazón y algunas series. De todas formas, las series buenas están en canales secundarios y en las principales cadenas ocupan pequeñas franjas horarias.

Sin embargo, CNN+ ofrecía información rigurosa y de calidad las 24 horas del día. Había programas de entrevistas, debates, informativos, etc. Y todo ello bajo la calidad de la principal cadena de noticias global: CNN. Hoy, cesa la emisión de esta emisora televisiva después de llevar activa unos 11 años debido a su falta de viabilidad económica.

Según leí esta mañana en El País, desde hace tres años (desde que se empezó a emitir en abierto en la TDT) tiene una acumulación de pérdidas de 40 millones de euros, y solo tiene un 0,6% de la audiencia (y este dato mejoró, ya que su share era de un 0,3%). A pesar de que sus datos de audiencia mejoraron desde la apertura en la TDT, PRISA TV informó de que no era suficiente para mantener la cadena abierta.

Desde este humilde rincón de Internet quiero expresar mi profunda tristeza por el cierre de este medio de comunicación. Esto siempre es muy triste, se trate de un periódico, una emisora de radio o una cadena televisiva. Pero si cerrara Telecinco no me importaría tanto. Por supuesto, me preocuparía por quienes trabajan allí y también me molestaría, ya que la pluralidad es muy importante. Pero creo que el motivo por el que no me preocuparía tanto es obvio: es el Reality Show Channel. Desde hace un tiempo, solo la pongo para ver si ha cambiado en algo y, al ver que no, vuelvo a poner otras cadenas mejores. No digo que sean mejores porque no comparta la línea editorial de Telecinco, sino porque su programación es una auténtica basura.

En fin, que cierre esta cadena es un desastre para la sociedad española. Y esto lo ratificarán, incluso, las personas que no compartan su línea ideológica, ya que era un canal que verdaderamente informaba a la gente, aunque a veces sus informaciones tenían un sesgo editorial (como todos los medios de comunicación). Enhorabuena a todos los profesionales que han trabajado en CNN+ durante estos años, y suerte para que volváis a encontrar vuestro sitio en esta profesión.

Recomendación de libros para pedir a los Reyes Magos

2010-12-27T21:29:00.003+01:00

He hecho una lista de las cinco novelas que más me han gustado de las que he leído durante los últimos meses:

Los Pilares de la Tierra, Ken Follet. Es del año 1989, pero yo la leí durante este verano y me gustó mucho. La historia creo que está muy bien narrada y relata una época histórica muy interesante.
Territorio Comanche, Arturo Pérez-Reverte. También tiene unos cuantos años, pero es un libro espléndido. En él, y bajo otro nombre, el escritor nos cuenta su experiencia en la Guerras Yugoslavas cuando estaba allí como corresponsal de Televisión Española. Está dedicado a su cámara y compañero José Luis Márquez, y contiene una crítica a los medios de comunicación, la falta de medios, etc.
Matar a un periodista, Terry Gould. Para escribir este libro, Gould tuvo que investigar los asesinatos de varios periodistas mientras ejercían su trabajo. Estos periodistas no murieron a causa de balas en las guerras, sino que fueron asesinados por investigar la corrupción y desvelarla al público. El autor narra la historia de estos periodistas, para que entendamos mejor qué motivaba a estas personas a tener esa vocación y llevarla hasta el punto de morir por ella. Entre las historias que Gould nos cuenta, está la de Anna Politkóvskaya, que conmocionó al mundo en el año 2006.
La insoportable levedad del ser, Milan Kundera. Una novela repleta de filosofía y reflexiones profundas sobre algunas de las cosas más importantes de esta vida. Kundera pone de manifiesto su perspectiva sobre el amor y la sexualidad y nos da un punto de vista diferente sobre las expectativas de vida.
Tokio Blues, Haruki Murakami. Es una novela en la línea del autor japonés.

Cuando todo está patas arriba llega la Universidad de Zaragoza a solucionar las cosas

2010-12-22T23:50:00.003+01:00

Corren tiempos difíciles. Se va a aprobar una ley absurda que no hace más que castrar Internet, los políticos hacen pactos mostrando una vez más su irreverencia al pueblo, Wikileaks desvela secretos (algunos inconfesables) y los Estados no dan ninguna explicación al respecto de los cables. Esto solo son los tres primeros ejemplos que me han venido a la mente pero, por supuesto, hay cientos de ellos. Pues cuando pensaba que las cosas no podían ir a peor, he leído el siguiente titular en el Heraldo de Aragón: La Universidad aprobará que los alumnos puedan lograr el título con un suspenso.

Desde luego, he leído la noticia, y no quería quedarme solo con un titular escogido para manipular nuestras frágiles mentes. Pero lo que quiero transmitir aquí no es la crítica sencilla de: "vale, ahora se puede aprobar una carrera aunque no superes una asignatura hueso...¡malditos!". Sino que la crítica a este tema es mucho más profunda, y viene por el propio sistema universitario.

Yo estudio en la Universidad pública, y no puedo estar más descontento con el funcionamiento de las cosas. Creo que los planes de estudios no se adaptan a las exigencias del mercado de trabajo y que la mayoría de los profesores no están capacitados para impartir las asignaturas. Se repiten demasiado cosas obvias y no se llega a profundizar de verdad en los asuntos importantes, no sé si es por falta de coordinación entre profesores, incompetencia de los docentes o escasez de tiempo para hacerlo. De todas formas, esto es lo que puedo decir sobre mi carrera, Periodismo, porque supongo que en Medicina se lo tomarán más en serio (o eso espero).

Así que este artículo supone, para mí, una especie de catarsis. La Universidad de Zaragoza afirma que no será más fácil aprobar la carrera con este nuevo sistema, sino que se "reconocerá el esfuerzo que el alumno ha hecho durante la carrera y valorar si está capacitado para acceder a un empleo relacionado con su profesión", según citó el Heraldo. Pero es que el problema no está en si un alumno aprueba una asignatura o no. Si no aprueba y merece tener la carrera puede ser, en mi opinión, por dos cosas:

Que esa asignatura no sea relevante para el puesto que va a ocupar el estudiante en el mercado laboral
Que un profesor tenga manía al alumno y no vaya a aprobarlo aunque lo merezca

Entonces, ¿cómo solucionar este asunto? ¿Valorando si su trayectoria ha sido buena y haciendo algún tipo de prueba para valorar su capacidad? No. La solución dependerá si se ha dado un caso o el otro.

En el primer caso, habría que estudiar si realmente la asignatura es importante para desempeñar la profesión. Si deciden que un alumno que estudie Biología puede tener el título sin haber aprobado Derecho Constitucional I, me parecería perfecto, porque esa asignatura no debería estar en el plan de estudios. Por tanto, habría que hacer una revisión de los mismo para ver si se adaptan al buen desempeño de una profesión. Pero de ningún modo daría el título de Médico a quien no haya aprobado Anatomía o Medicina Interna II, por muchos méritos que tenga en otras asignaturas de la carrera.

En el segundo supuesto, el alumno podrá reclamar a la Facultad, al Rectorado o a quien sea, y las instituciones universitarias deberán prever mecanismos eficaces de actuación para resolver el problema de forma justa. Por supuesto, eso hoy en día no sucede, porque los profesores son colegas entre ellos o enemigos, entonces pasa lo mismo que en una pandilla de amigos, si se llevan bien se cubrirán las espaldas y si se llevan mal se joderán, pero no importará nada la calidad educativa.

Todo esto no son más que mis opiniones, y yo no sé cuál es la verdadera solución al problema. Lo que pasa es que me mosquea que se den medidas tan superficiales a asuntos tan serios. Espero que la Universidad empiece a revisar lo que está haciendo, porque la educación es muy importante para que un país funcione bien, y que sus universitarios sean mediocres no es más que un síntoma de la mala salud de un Estado.

El Congreso nos da un respiro

2010-12-21T23:40:00.000+01:00

Hoy el Congreso no ha aprobado la Ley de Economía Sostenible, lo que da un respiro a todos los activistas para seguir luchando por lo que, considero, una causa absolutamente justa. Aquí tenéis el enlace a la noticia en El País.

La ley Sinde: final round

2010-12-20T01:37:00.004+01:00

Si alguno de vosotros (en realidad, sé que todos) ha entrado a lo largo del día de ayer (domingo) en páginas como Series Yonkis, Películas Yonkis, Cinetube, etcétera, habrá visto una pantalla negra que hablaba sobre el cierre de páginas Web a partir de la entrada en vigor de la denominada ley Sinde.

Muchos os enfadaríais por no poder ver vuestra serie favorita, pero los que seáis más curiosos seguro que habéis echado un vistazo en la página que enlazaban. La podéis visitar haciendo click aquí. Es realmente jodido esto que va a pasar. No os podéis imaginar cómo de jodido va a ser. Voy a poner un párrafo que leí en esa Web que, incluso, me llegó a tocar el corazón:

"Mucho más de trescientos millones de personas están tejiendo cada día esta inmensa red de intercambio de conocimiento que se llama Internet. Millones y millones de personas compartimos información a través de redes abiertas. Hemos creado una cultura y tenemos un objetivo común y universal. Todo eso puede cambiar a partir del próximo martes. La Ley Sinde es una tijera que permite cortar los hilos que mantienen viva Internet, una red que debe seguir siendo libre y neutral, como instrumento de progreso, paz y libertad"

Supongo que todos sois sensibles al tema. Internet es algo fundamental en nuestras vidas, y que se coarte la libertad de expresión con métodos tan radicales y opuestos a la voluntad del pueblo me parece algo deleznable. Esto es un ejemplo más del mamoneo que hay en la política, donde las personas no pintamos nada. ¡Vaya mentira esa de que la democracia es la intervención del pueblo en el Gobierno!. Y, ¿quién cojones insiste en cortar las alas a algo a lo que no se le pueden cortar? La respuesta, aunque parezca mentira, es la de siempre: Estados Unidos. El mismo de siempre, al que todos temen y con el que todos quieren llevarse bien.

Hay varios cables de Wikileaks (que no han sido publicados en su totalidad por los cinco periódicos elegidos por la organización) que prueban que Estados Unidos presionó para la creación de la, desde luego mal denominada, ley Sinde (click para leer la noticia en El País). A pesar de que esta mujer no merece ser ministra de Cultura (con la de gente válida que hay), no hay que echarle toda la culpa a ella. Tampoco hay que echársela a Estados Unidos, porque puede decir misa. La culpa la tiene el Gobierno de España que cedió ante las presiones y se bajó los pantalones, como suele hacer. España dejó hace tiempo de ser un Estado de Derecho fuerte e independiente para lamer el culo y besar por donde pisan países como Estados Unidos.

Tras este calentón, pido disculpas y sigo con el tema. El próximo martes día 21, es decir, mañana, se intentará aprobar la Ley de Economía Sostenible, en la que está incluida la ya mencionada ley Sinde (aquí noticia en El País). Por este motivo, desde muchas páginas Web se está llamando a la cordura para que se haga un debate en el que se tenga en cuenta a los sectores afectados de la sociedad y a los ciudadanos, ya que es algo que nos afecta directamente. Sé que no es algo primordial en los tiempos de crisis, pero sí se aprovechan las circunstancias para coartar más nuestras libertades.

Para los que no sepan qué demonios es esto de la ley Sinde, les dejo un par de enlaces muy interesantes donde viene todo explicado de forma muy interesante: Desmontando paso a paso la ley Sinde y Claves para entender la oposición a la Disposición Primera de la Ley de Economía Sostenible.

Invito a que todos reflexionemos sobre lo que está pasando, ya que no solo considero extremadamente grave el tema de la ley Sinde, sino que está en juego que se siga cumpliendo la voluntad de unos pocos o que se abran verdaderos debates en los que se ponga encima de la mesa, de una vez por todas, qué es lo que desean los ciudadanos.

Manifiesto “En defensa de los derechos fundamentales en internet”

2010-12-20T00:40:00.003+01:00

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial –un organismo dependiente del ministerio de Cultura– la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Este manifiesto, elaborado de forma conjunta por varios autores, es de todos y de ninguno. Si quieres sumarte a él, difúndelo por Internet.

Batamanta especial Navidad

2010-12-19T18:54:00.001+01:00

No puedo resistirme a enlazar en el blog el nuevo vídeo de loulogio: Batamanta especial Navidad. Del creador de Batamanta, el doblaje de Punset y el Pajilleitor Plus, entre otros.

Para los que no los hayan visto, pongo un par de vídeos más de este tipo:

¡Pues ahora no toco!

2010-12-05T12:23:00.001+01:00

Hay un disco que me regaló un amigo hace ya casi cuatro años y que fue de las primeras joyas del jazz que tuve entre mis manos. Se trata de But Beautiful, una serie de directos de trío del pianista Bill Evans en el año 1974: Eddie Gómez (contrabajo) y Marty Morell (batería), con la compañía del magnífico saxofonista Stan Getz. Había un tema que me llamaba la atención porque solo escuchaba al saxo con la batería y el contrabajo. Eso me impresionó mucho. De hecho, lo que más me descolocaba era que Bill Evans solo tocaba durante unos escasos compases. El otro día, leyendo la web Jazzitis, descubrí una crítica de este disco. Cuando la leí, encontré la respuesta a mi gran pregunta. Ya que lo vi allí, dejaré que sea Tocho, quien lo escribe, el que os lo explique:

El disco está muy bien, lo adornan dos anécdotas de carácter bien humano. En la documentación del disco se explica que el trío había ensayado unos temas antes del set, pero en la actuación Getz de repente anunció al público un blues (Stan's Blues) que no había ensayado con el trío. Parece que Bill Evans hizo un gesto de "cago en la puta, no me lo puedo creer, ahora por donde me sale este jodido", y en el disco se oye que toca dos o tres desganadísimos compases y luego pasa olímpicamente de tocar, y Eddie Gomez y Marty Morell siguen, pelín desconcertados pero muy profesionales, lo de Getz sin que Evans, en huelga de brazos caídos, toque una sola nota más en todo el blues. Cuando Getz se da cuenta que Evans jamás entrará en este tema aguanta el tipo, y poco a poco se larga un blues de sombrero. El otro detalle del CD es que en uno de los tracks que fue grabado en Holanda, pocos días después de este incidente, Getz felicita con voz bien alta, en el escenario, a Bill Evans por su cumpleaños, y a continuación toca un improvisado Happy Birthday To You a pelo. Parece pedirle perdón por lo del otro concierto.

¿No os parecen unas anécdotas preciosas? Esto solo pasa en el Jazz. Si queréis continuar leyendo la crítica (esto es solo un extracto), haced click aquí. Para escuchar el tema en Spotify, click aquí.

Apolo Bass - Tierras Lejanas

2010-11-30T18:37:00.001+01:00

Personal: Apolo Bass (bajo eléctrico), Santiago Reyes (guitarra), Vicky Edimo (bajo), Andy Lima (guitarra), Sacri Delfino (guitarra), Maikel Vistel (saxo), Alex Cid (saxo), Jorge Vistel (trompeta), Akin Dimedi (batería), Moisés Porro (percusión), Yuvisneh Aguilar (percusión), Gito Maleta (piano), Mariano Díaz (piano).

Hace unas semanas me llegó el nuevo disco de Apolo Bass: Tierras Lejanas. Salió hace no mucho tiempo, y me dispongo a dar algunas pinceladas sobre él. Antes de comentar nada, debo agradecer a su agente que me tuviera en cuenta para hacer una crítica del disco.

Vamos al tema. Apolo Bass nació en el año 1965 en Camerún. Como habéis podido deducir los que no lo conozcáis, toca el bajo (el eléctrico, concretamente). Los observadores también os habéis dado cuenta de que guarda cierta similitud espacio-temporal con Richard Bona, ya que solo se llevan 2 años y ambos son cameruneses. Aún así, muchas cosas los diferencian, aunque de eso ya hablaremos luego. Vive en España desde 1991, y compagina su labor musical con la de médico naturalista. Es una combinación un tanto extraña pero, oye, cada uno tiene sus cosas. Este es su tercer disco (y el primero que yo he escuchado de él). Después de estas pequeñas notas biográficas para que nos situemos, vamos a hablar de Tierras Lejanas.

Este disco se presenta bajo el sello Bass Evolution Production que, si no me equivoco, consiste en una autoproducción. Consiste en un cd+dvd. En el dvd se puede ver un videoclip, una entrevista a Apolo Bass, el reportaje de la grabación del disco y varios extractos de los solos de Apolo Bass. Como visteis en la presentación del personal, son muchos músicos interesantes a nivel nacional y, algunos, a nivel internacional. Destacaría la actuación de Sacri Delfino a la guitarra, la de Gito Maleta al piano y la del propio bajista, aunque todos los músicos son muy buenos.

La primera escucha del disco no me supo del todo bien. El lado positivo lo puso el propio disco: las composiciones originales del bajista me gustaron casi en su totalidad. De hecho, todas las pistas son de la autoría de Apolo Bass, excepto el corte 14, que es Autumn Leaves. Pero el punto agrio lo puso que, mientras escuchaba el disco, leía información de Apolo Bass y me encontré con la siguiente frase en su página Web: "The best african Jazz bass player new disc is already available! Tierras Lejanas". Esta humildad me puso los pelos como escarpias. Eso de ser el mejor bajista africano de jazz es algo muy subjetivo, pero más aún si tienes por delante a la bestia que mencionábamos antes, Richard Bona. Esto me resultó muy desagradable, pero entenderé que no es más que una estrategia de marketing, malísima en mi opinión, pero al fin y al cabo solo eso.

Las pistas del disco son las siguientes:

Victory

Madrid Jazz

Etnoblues

Tierras lejanas

Miracle

Stop Injustice

Chromatic Day

Grand Mère Marcelline

Alice de Bafoussan

All Rhythms Together

Makossando

Yaundé Jazz

Promenade de l´été

Autumn leaves

Caminando

En el álbum hay mucho de Jazz, pero sobre todo de fusión. El propio Apolo Bass declaró en una entrevista al diario 20 Minutos que su fusión "es la única en su estilo ahora mismo. Fusionamos la música africana con jazz, ritmos latinos y a veces hasta flamenco. Yo lo llamo african jazz fusion. Así, más que poner límites a lo que hacemos, definimos exactamente lo que no hacemos". Él mismo ha explicado qué música hacen, así que no lo voy a hacer yo. Por cierto, también discrepo en que sea la única que se hace. Me quedo con el tema que da título al disco, Tierras Lejanas, por su bajo (que entra hasta las entrañas) y por la intervención final del piano, y Caminando, el que cierra el disco. Esto este tremendamente subjetivo, así que cada uno elija el que más le guste.

En definitiva, a nivel musical y de composición, el disco está muy bien. Tiene muchas buenas colaboraciones y es una buena ocasión para conocer a este bajista que está tomando cierto reconocimiento a nivel nacional gracias a las múltiples entrevistas que le han hecho algunos medios de comunicación y su aparición por algunos festivales. Esto enriquece el panorama musical autóctono. En España hay muy buenos músicos que no tienen la oportunidad de aparecer por nuestros propios festivales de Jazz, que es donde deberían tener cabida para presentar su trabajo.

"Los temas de los primeros tiempos son divertidísimos"

2010-11-21T13:34:00.001+01:00

Hace poco más de una semana pudimos escuchar en el Teatro Echegaray de Málaga, dentro de la XXIV edición del Festival Internacional de Jazz de Málaga, a La Insostenible Big Band. Antonio Lara, director, Nacho Doña, subdirector, y Jesús Ortiz, director artístico, me reciben después de un ensayo para tener una conversación sobre los orígenes de la banda, sobre su futuro y muchas más cosas relacionadas con el jazz. En la entrevista, no indicaré quién responde a cada pregunta, porque en todas intervienen los tres. De todas formas creo que se puede saber con facilidad quién habla en cada momento.

Pregunta. ¿Por qué la big band es 'insostenible'?

Respuesta. Es una de las pocas aportaciones en las que la producción artística influyó. Es insostenible porque, en principio, es una idea imposible de mantener. Y más en una ciudad como Málaga, donde incluso las formaciones de pocas personas son difíciles de mantener. Fui a ver la banda por invitación de Antonio y, cuando vi que no tenían nombre todavía y el proyecto en el que se metía, me pareció que el nombre más adecuado era el de 'La Insostenible'. Si es difícil hacer que cuatro personas se mantengan en un grupo de jazz, imagínate 25. Ya llevamos cinco años, y que sigamos ahí es una especie de milagro.

P. Pero parece que cada vez va a mejor, ¿no?

R. Da la sensación (risas). El resultado de estos cinco años lo hemos tenido ahora en el Teatro Echegaray. Creo que todo el mundo ha quedado satisfecho, tanto el público como nosotros. Esa actuación ha compensado todas las fatigas y malos ratos de estos cinco años.

P. ¿De dónde surge la banda?

R. Esto fue una asignatura optativa que se creó en el curso 2004/2005 en el Conservatorio Profesional Manuel Carra de Málaga. Se dio la circunstancia de que había un buen material de alumnos. Dos años después, cuando estos chicos se fueron, no pude hacer nada con la asignatura. En definitiva, fue una generación muy buena. De hecho, están casi todos ahora en La Insostenible. Además, tuvimos el apoyo de Nacho desde el primer momento y de otro profesor del Carra, Chema Rivas. Tuvimos que buscar en el exterior un baterista, Juan Fernández Pinto, que sigue con nosotros aparte de Paco, que era el becario y ahora está con nosotros. Se ha hecho un bicharraco el tío. Bueno, como el material era estupendo y teníamos una serie de inquietudes que queríamos aprovechar fuera del conservatorio, decidimos crear una banda. Eso tiró para adelante e hicimos algunas actuaciones. Teníamos posibilidades y ganas. Y aquí estamos, en cinco años nunca nos ha faltado faena.

P. ¿Qué tipo de personas integran la big band? ¿Se dedican a la música?

R. La mayoría lo intentamos. Los mayores casi todos lo hemos conseguido y los jóvenes tienen sus estudios musicales. El 75% de la banda está haciendo estudios superiores de música, el resto de los chicos tiene, como mínimo, el grado profesional terminado. Los mayores vivimos de la enseñanza y, antes de estar en el conservatorio, hemos vivido de la música.

P. ¿Cuáles son las influencias jazzísticas de las que se nutre la banda?

R. No creo que estemos influidos por nadie. Buscamos temas que nos gusten y los hacemos. Vamos buscando un repertorio, sobre todo de swing, más que de jazz puro. Sobre todo de las bandas tradicionales del swing, de los años 40 o 50. Los temas antiguos, de los primeros momentos de las big band, no tenían tanta exigencia de calidad. Son temas muy divertidos de tocar, que reúnen muchas cualidades. Ese momento que tienen las big bands, justo en el paso del charleston, el swing y el ragtime, es muy interesante, y permite a una big band coger un tema y disfrutar mucho tocándolo. Es muy divertido tanto para el que toca como para el que escucha. Además, hay pocas bandas que se dediquen a este repertorio tan específico. Un día, tocando en una celebración, resultó que la familia de los contrayentes eran apasionados del jazz antiguo, y estuvieron todo el rato pegados a nosotros pidiéndonos versiones y tal. Empezamos a tocar My heart belongs to daddy y vino uno y dijo: “de Peggy Lee”. Fue muy bonito para nosotros (risas). Es que esas versiones tan antiguas ya no se pueden escuchar, porque las big bands también buscan demostrar su virtuosismo, pero los temas de los primeros tiempos son divertidísimos.

P. La verdad es que vuestros conciertos se hacen muy amenos

Hemos ido a muchos conciertos de jazz, y sabemos que los temas duran unos 10 minutos. Nuestros temas son de 3 o 4 minutos, y cuando termina viene otro distinto. Así no se hace larga la hora u hora y media de concierto. Por otra parte, hay que decir que muchas veces la música evoluciona volviéndose más compleja, con un mensaje muy sofisticado, que termina siendo, en muchos casos, música para músicos o para oyentes con alma de músico. Nosotros cubrimos otro hueco, la época del jazz en la que era una música al servicio del público y también al servicio de la diversión. Son las raíces auténticas del jazz.

P. ¿Cómo consiguieron producir el primer disco?

R. En 2007 ya teníamos unos años de conciertos, y tuvimos la idea de grabar un disco. Lo autoproducimos nosotros. Jesús se encargó de la producción del disco, casi artesanalmente hicimos la mezcla y todo eso. Es una producción nuestra. Hacer un disco de big band es muy complicado, y más sin recursos. El disco no está en circuitos comerciales, lo vendemos nosotros. Utilizamos el disco como medio de promoción. Lo que queremos son nuestros conciertos, que nos contraten para dar conciertos y disfrutar de ellos. Hemos vendido muchos discos, pero lo nuestro son las actuaciones.

P. ¿Para cuándo un segundo disco?

R. Para cuando se pueda. A ver si el año que viene puede caer. Tenemos que dar con un repertorio que vaya en otra línea a la que ya teníamos, que la complemente. Este que tenemos es un clásico (In the Mood, American Patrol...), y este tendría que ser algo diferente, no en la expresión, sino con un repertorio más seleccionado y menos conocido. Queremos que el disco impacte como algo nuevo. Buscamos profundizar en las sonoridades antiguas, y para ese disco no nos limitaremos a tocar temas antiguos a nuestro aire, sino que queremos aportar tres o cuatro temas antiguos con instrumentación de big band. Temas que nunca han sido tocados por big band y hacer nosotros la propia producción de algún ragtime o charleston. Ya lo tenemos bastante desarrollado, pero somos muy supersticiosos y no nos gusta hablar del tema. Con esto podremos ofrecer a otras bandas material nuevo. Estamos en ello.

P. ¿Es difícil conseguir conciertos en Málaga?

Nosotros no paramos porque también trabajamos en fiestas privadas, que no se ofrecen a un público abierto. Pero acabamos de dar un concierto en el Teatro Echegaray, hace un par de meses estuvimos en el Teatro Cervantes. Estamos yendo a los sitios de Málaga donde no pensábamos estar hace unos meses. Hemos actuado en dos festivales de Jazz (Málaga y Mijas). Quizá el que no nos conozcan en muchos sitios se debe a la propia trayectoria de la banda.

P. ¿A qué se refiere?

R. En sus primeros tiempos, la banda ha sido un grupo claramente pedagógico. Tocábamos en institutos, conciertos didácticos, exhibiciones de jazz para niños, colaboramos con muchas ONG, etc. Para nosotros, lo primero es que esto sea un buen proyecto pedagógico. Durante mucho tiempo nos hemos basado eso, pero el producto ha empezado a tener calidad y nos han querido contratar aparte de nuestra labor pedagógica. Además, la formación musical es muy importante. Cuando tenemos que hacer algún recambio buscamos a gente muy joven, y los formamos con nosotros. Al concierto del Echegaray vinieron antiguos componentes, que siguen considerando la banda como algo suyo. Uno de los últimos componentes que hemos metido en la banda es un jubilado. Esta es la excepción que confirma la regla (risas). Está el tío más contento que nadie. La verdad es que se forma una comunidad muy agradable.

P. ¿Cómo valoran la situación actual del jazz en la ciudad?

R. Cuando hay una época de dificultades económicas, de lo primero que se recorta es de la cultura y, sobre todo, de la música. Aparte, Málaga no tiene mucha tradición de jazz a nivel de sitios para poder tocar. La ciudad vive mucho de lo que organizan instituciones: el festival de Jazz durante una semana y cosillas sueltas que salen, pero son contadas. Intentamos acceder al jazz en la ciudad en el poco circuito que existe. De todas formas, vivir del jazz en Málaga es algo casi imposible. Probablemente no vive nadie de él en Málaga. Tienes que tener algo más aparte de las actuaciones, que dan una gran satisfacción personal, pero no te permiten vivir exclusivamente de eso. Muchos músicos brillantes de Málaga han tenido que ir a Madrid o Barcelona porque aquí no hay grandes posibilidades.

P. ¿Cuándo volverán a actuar por Málaga?

R. El día 23 de diciembre vamos a la plaza de la Constitución, en un proyecto conjunto con la escuela de jazz que tenemos con los niños. Ellos harán una primera parte y nosotros la segunda. En ese proyecto estamos los mayores de La Insostenible, y formamos a chavales desde los 9 años hasta los 18. Están aprendiendo un poco de técnica, la expresión del swing, escalas de improvisación. Están haciendo temas de big band facilitos. Llevarán siete u ocho temas a la plaza de la Constitución.

P. ¿Y qué planes tienen para el próximo año?

R. Para el año que viene pretendemos grabar el disco y lo que vaya saliendo. Este último trimestre nos ha venido muy cargado de cosas. Hemos estado centrados en eso, y a largo plazo no hemos podido mirar nada. A principios de año ya veremos.

Geri Allen: pura innovación

2010-11-14T18:19:00.001+01:00

La pianista estadounidense Geri Allen nos dio anoche en el Museo Picasso de Málaga un concierto difícil de olvidar. El jazz es una búsqueda constante de la innovación y de encontrar nuevas vías de expresión, y eso es lo que hace continuamente Allen. La mayor parte del espectáculo interpretó la suite Flying Toward The Sound, dedicada a su hijo Wallace, y que estaba calculado matemáticamente, ya que se trata de una interacción entre vídeo y la música. La verdad es que fue bastante extraño, ya que no conocía esta obra y me impactó ver las imágenes, la música, etc. yendo al unísono. Como digo, Allen trabaja buscando nuevos sonidos, obras originales y distintas a lo que se está haciendo. El tema de mezclar vídeo o fotografías con música me parece muy interesante, y podría ser una vía de investigación para algunos músicos. Crear sensaciones utilizando varias herramientas sensitivas.

Después de presentar este trabajo, tocó otros 3 temas. Más o menos en la línea de lo anterior, pero el 2º fue más jazzístico. Con una base en la mano izquierda muy definida. Aunque a veces desarrollara otras ideas con la izquierda, siempre volvía al tema inicial. El tercer tema me resultó más monótono, y el cuarto y último fue más rítmico, pero metió demasiado pedal (en mi humilde opinión) y eso me provocó un ligero dolor de cabeza. En definitiva, un concierto espectacular, sobre todo por la primera obra, que fue exquisita y muy trabajada. Todo un placer ver a Allen.

De Geri Allen poco voy a decir que no sepáis. Es una gran pianista, virtuosa, que domina absolutamente el piano, con una técnica cuidada y precisa en sus interpretaciones. Fue todo un placer verla en el excelente auditorio del Museo Picasso. Gracias a la dirección del Museo Picasso por traer a estas maravillosas pianistas. El próximo día 26 viene Myra Melford (no os lo perdáis) y el día 3 de diciembre Judith Berkson.

Seamus Blake Quintet sale airoso del 'Echegaray Jazz Club'

2010-11-13T16:22:00.001+01:00

Personal: Seamus Blake (saxo alto), Lage Lund (guitarra), David Kikoski (piano), Matt Clohesy (contrabajo) y Ramón Prats (batería).

Sinceramente, no sabía cómo titular esta crónica/crítica. Primero porque quería destacar en el titular el papel de Dave Kikoski, pianista, que me pareció el mejor de la noche. Aunque no me parecía ético hacerlo, ya que también me gustó, casi al mismo nivel, el baterista, Ramón Prats. Por oro lado, en el titular quería meter la desgana del guitarrista, Lage Lund. Pero claro, el título tenía que englobar un espectáculo de una banda...por tanto, digamos que salieron airosos.

Después de este agresivo primer párrafo voy a justificar porqué he escrito eso. Para empezar, vamos a ir de lo general a lo particular. Como banda el Seamus Blake Quintet sonaba muy bien. Es cierto que se notaba cierto cansancio entre los músicos, sobre todo en Lund y en Blake, ya que han estado durante varios días impartiendo un seminario sobre Jazz en una actividad paralela del propio Festival. Además, esa misma tarde, a las 19:00 horas, dieron una Master Class (de esto mejor hablamos en otro momento, porque vaya tela) en el teatro Echegaray. En definitiva: no han parado. Y esto se nota. Tocaron en total 4 temas como programa, y nos regalaron un bis. El primero fue Fear of Rooming, que quiere decir algo así como "el miedo que se tiene cuando llega una factura de teléfono cuando viajas fuera y llamas mucho por teléfono", como explicó Blake. En este tema creía que la guitarra no funcionaba, pero me comentaron los de la organización que lo que pasaba era que el guitarrista estaba probando cosas. Al principio ya empecé a ver que quienes destacaban eran Prats a la batería y Kikoski al piano, pero de eso hablamos un poco más tarde. El tercer tema tenía ritmos brasileños, y el pianista se marcó un solo tremendo. El cuarto era Jupiter, y Blake comentó que era un planeta con gran influencia sobre los sagitario como él. Aclaró: "los sagitarios que estáis tan locos como yo". En este tema al pianista parecía que iba a darle algo, fue impresionante. Y, por último, el bis que nos regalaron fue Way out Willy, que da título a un álbum del saxofonista. En él, Blake metió mucho blues en su solo, y Kikoski tuvo un swing alucinante.

Aunque lo único que he comentado de Lage Lund ha sido negativo, me gustaría decir también unas notas positivas. Su trabajo con grandes músicos como Ron Carter o Mulgrew Miller y su paso por Berklee se nota. Es un gran músico. Su sonido, por compararlo con alguien, me recordaba mucho al de Pat Metheny. Su habilidad para improvisar era muy buena, solo que creo que estaba cansado y, por este motivo, no dio todo lo que puede dar.

De Kikoski solo puedo tener buenas palabras. Era de esas personas a las que notas que le importa todo muy poco. Iba vestido con una sudadera con capucha, no paraba de hacer gestos, de moverse, de sonreír. Era excelente, y transmitía muy buenas vibraciones. Musicalmente, creo que es el más dotado de todos los miembros de la banda. Por otra parte, Kikoski sabía cuándo y cómo debía darle a las teclas. Los demás miembros de la sección rítmica eran el catalán Ramón Prats y el contrabajista Matt Clohesy. Me gustó mucho Prats porque tenía muchísima habilidad, jugaba muy bien con los ritmos. No tuvo grandes momentos de protagonismo, pero su presencia era de matrícula de honor. Matt Clohesy es un gran contrabajista, pero no me gustó demasiado en el concierto de anoche. Se mete mucho en la música, disfruta con ella, pero no lo vi muy acertado en algunos momentos del concierto.

En definitiva, un concierto genial, con música de muy buena calidad. Pero creo que estaban cansados y que no lo dieron todo en el escenario. Esto me fastidia porque algunas personas podían llevarse una impresión errónea de la banda que, ayer, fue espléndida gracias a las improvisaciones de Kikoski y el ritmo incansable de Ramón Prats.

Por cierto, enhorabuena a los organizadores, porque de nuevo pusieron el teatro Echegaray como si fuera un club de Jazz. Este detalle me ha gustado mucho de los dos conciertos del Echegaray en los que lo han hecho.

Imagen: Daniel Pérez, Teatro Cervantes

Marilyn Crispell crea contrastes en un mundo disonante

2010-11-13T15:32:00.004+01:00

Anoche tuve el tremendo placer (de esos que son impagables) de escuchar a la pianista y compositora estadounidense Marilyn Crispell. Esta artista ofreció un concierto en el auditorio del Museo Picasso de Málaga, que se llenó, en el que la presencia del jazz quedaba camuflado bajo la sombra de, podríamos decirlo así, la música clásica contemporánea. No fue un concierto de jazz en su sentido estricto, pero sí fue precioso. Antes de comentar cómo fueron las obras que interpretó (sí, esto lo voy a calificar como obra), me gustaría felicitar al Museo Picasso por el magnífico piano que tenían en el escenario: un Steinway & Sons Pianissimo. Enorme y con un sonido perfecto.

En su programa estaban previstos dos temas. El primero de ellos, de 25 minutos de duración, fue una sucesión de contrastes, de luces y de sombras, con gran presencia de los graves. Estaba repleto de disonancias, y Crispell demostró con él que tiene un dominio absoluto de la armonía. Fue precioso, delicado e intimista. El segundo tema duró unos 30 minutos. En este, más que de contraste, podríamos hablar de atmósfera. Era un tema más tonal que el anterior, más relajante (de hecho, vi a varias personas dormidas en la sala). El virtuosismo de Crispell fue palpable, y transmitió mucho más de lo que muchos músicos son capaces de hacer. Este concierto me ha transmitido muchas buenas vibraciones y ganas de descubrir nueva música. De Crispell ya estoy completamente enamorado, así que voy a profundizar en su obra.

No voy a extenderme mucho más en mi crónica, ya que, como digo, no he investigado mucho sobre la música de Crispell. Lo que sí quería dejaros es un par de vídeos que me recomendaron en forosdejazz para que, los que no hayáis escuchado a esta gran pianista, os hagáis una idea de cómo es su música.

El carisma y la homogeneidad de 'La Insostenible' levantan al público del Teatro Echegaray

2010-11-12T16:01:00.002+01:00

Antes de empezar la crónica, voy a poner quiénes son los integrantes de la banda, que son unos cuantos y así, cuando haga mención a alguno de ello, tenéis la referencia:

Marta Galiano (clarinete); Victor Manjón, Paloma González, Miriam Muñoz, Alfonso López y Jaime Manzano (saxo alto); Daniel Hidalgo (saxo barítono), Adrián Ruiz y Antonio Sánchez (saxo tenor); Juan Alberto Gómez, Ángel Martín, Francisco Campillo, Francisco Javier Carrillo, Mario Gutiérrez y Paco Martín (trompetas); Jesús Lloret, José Antonio Gómez, Jaime Hidalgo y Antonio Ojeda (trombones); José Luis Pérez (tuba); Agustín Sánchez (guitarra); Nacho Doña (piano y subdirección); Jesús Ortiz (bajo eléctrico); Francisco Fernández y Juan Fernández Pinto (batería); Raquel Pelayo (voz); y Antonio Lara (dirección y piano).

Tras este parrafazo, empiezo a contar qué fue del concierto de anoche. La entrada de los músicos en escena ya fue digna de una gran ovación. Primero apareció la sección rítmica, y el público aplaudió tímidamente, porque no sabía dónde estaba toda la banda. En estas que empiezan a sonar instrumentos de viento a un lado del escenario y aparecen todos los músicos tocando Oh When the Saints. Por supuesto, todo el público se volvió loco. Esa fue la primera demostración del carisma y la espontaneidad que tiene La Insostenible Big Band. Como siempre, me gusta ser sincero en lo que escribo, y yo he de reconocer que el concierto de ayer me encantó. Disfruté como un enano. Esta Big Band malagueña me recordó lo que es el Jazz: una música divertida, que permite expresarse de muchas formas distintas, que me tiene todo el rato meneando el pie y que tiene una gran conexión con el público. Ellos consiguieron crear un ambiente de mesita camilla (como diría mi profesor de Relaciones Internacionales) entre el público y el escenario. Y esto se agradece.

Los músicos que integran esta Big Band no son un conjunto de muy buenos músicos a nivel individual que se juntan para tocar, sino que son una banda de músicos 'sin caché' (por decirlo de alguna forma), pero que suena absolutamente compacta, homogénea, con gran personalidad y con un sonido excelente. Mi impresión general es que desde su disco (Jazz'tamos aquí) hasta el concierto de ayer La Insostenible ha tenido una evolución excelente. Es potente cuando tiene que serlo, y sutil y sensual cuando corresponde (por ejemplo, en su versión de Fever). Hablando de sutilezas quería comentar que de la clarinetista Marta Galiano hizo un solo con gran sensibilidad en el tercer tema de la primera parte, que le dio un punto 'femenino' al asunto (que nadie se ofenda, por favor). Esto se repitió en todas sus intervenciones.

Para comentar algo de los demás miembros, me gustaría destacar la labor del director, Antonio Lara. Tuvo un gesto muy bonito, y es el de presentar cada tema al público. Además, los arreglos que escogieron son muy buenos. Al menos, a mí me encantaron. Durante un par de temas, Antonio intercambió papeles con Nacho Doña (pianista y subdirector), y Nacho cogió las riendas de la banda. Uno de los temas contó con la colaboración especial de Ana Sánchez (vocalista de Jazztease, grupo que completan Adrián Sánchez, saxo tenor de La Insostenible, y el propio Nacho). El tema que cantó fue Big Time, y Ana se lució, como siempre. Ya que estamos con las voces, voy a hablar de Raquel Pelayo, vocalista de La Insostenible. Tiene una voz preciosa. Creo que es una de las voces más cálidas y hermosas (en un sentido genuino) que he escuchado. Además, la aprovecha muy bien con un registro muy amplio (mejor los agudos que los graves). Por ejemplo, en Sweet Georgia Brown o en Come Rain or Come Shine, donde Raquel explota en los agudos (como toda buena cantante debe hacer en este standard), tiene un papel exquisito. En Cheek to Cheek nos hizo llegar al cielo a todos los espectadores, y Antonio la felicitó diciendo que Raquel "es la joya de la corona".

Hubo más colaboraciones además de la de Ana Sánchez. Un cuarteto de cuerda tuvo una espléndida intervención tocando una única nota, pero muy importante, en el primer tema de la segunda parte, In the Mood. Pa' habernos matao. En ese tema estuvo al piano 'featuring' Marina Lara. También aparecieron en escena anteriores miembros de la Big Band, como los trompetistas Alejandro Gómez Villanueva y Antonio Vera (al que se le caían los tirantes), y el guitarrista Antonio Soto. Los dos trompetistas tuvieron un papel muy bueno en el tema que, "formalmente", daba por concluido el concierto. Fue en St. Louis Blues March, y tocaron un solo muy divertido intercambiando las voces. Cuando lo terminaron, se chocaron la mano, dando un ejemplo más de la espontaneidad del grupo.

Ayer escribí telegráficamente en mi libretilla: "Bueno rollo, estos músicos están locos. Los trombones son los más cachondos del grupo". Era todo un placer verlos hacer sus coreografías, sus gestos, etc. Otra demostración más del carisma de la banda. Coreografías tenían todos en realidad. En Nou´s Blue (primer bis), por ejemplo, los saxofonistas colocaron su instrumento como si estuvieran llevando a hombros un paso de Semana Santa.

Me gustaría mencionar otro tema, cuyo nombre no pude apuntar porque era en alemán, que tiene raíces judías y orientales. En la parte en la que el bajo eléctrico mete una caña impresionante y Adrián Sánchez toca melodías orientales al saxo, parecía que estábamos en una boda judía.

El sonido fue muy bueno a nivel técnico, aunque eché de menos más volumen en piano, que apenas se escuchaba y casi no tenía presencia. Pero el de los demás instrumentos y de la voz era el adecuado, y no fue molesto en ningún momento.

La naturalidad con la que el grupo enfrentó la actuación fue sobresaliente. De hecho, el concierto era bastante importante, ya que era su debut en el Festival Internacional de Jazz de Málaga, y su segunda actuación en un festival de Jazz. Sé que al público le encantó el concierto (todo el mundo en pie al terminar el 2º bis pidiendo otro más, los comentarios a la salida del evento, fueron suficiente prueba de ello). Nacho Doña me comentó que cree "que es el mejor concierto que hemos dado. Hemos dado alguno estas últimas semanas para soltar los nervios, rodar el espectáculo, etc., y ayer ya quedó todo redondo". En fin, espero que les salgan muchos más conciertos y que sigan dándole duro a esto.

Aprovecho para recordar que en Málaga hay grandes músicos como estos, y que el festival de Málaga, y todos, deben contar con sus músicos locales para su programación. Esto da grandes oportunidades a jóvenes (y, a veces, no tan jóvenes) para poder demostrar su valía en un escenario digno. Bueno, para terminar un anuncio: el día 23 de diciembre tenemos otra cita con la banda. Lo que no sé aún es el sitio, ya lo escribiré posteriormente en alguna entrada.

Imagen: Daniel Pérez, Teatro Cervantes

Chano vuelve a demostrar su naturalidad para fusionar flamenco y jazz

2010-11-11T16:16:00.003+01:00

Un pianista se levanta de la banqueta como si estuviera siendo sujetado por la música. Las armonías de las obras de los grandes de la música española (Albéniz, Falla, Granados y Mompou) hicieron que el público, que prácticamente llenaba el Teatro Cervantes, se emocionara con la fusión natural que crea Chano Domínguez entre jazz y flamenco. El pianista y compositor gaditano ha hecho un "trabajo basado en los primeros pianistas que ensalzaron el flamenco desde la intelectualidad de la música clásica", como él mismo explicó en el concierto de anoche.

Le acompañan en este proyecto el bailaor Tomás Moreno 'Tomasito', Israel Suárez 'Piraña' a la percusión y Blas Córdoba 'El Kejío' al cante. Sinceramente, en algunos momentos del concierto me hubiera gustado más que Chano tocara solo, o acompañado únicamente por la percusión, pero el resultado no fue malo. Aún así, no me parecía un grupo bien compactado. Excepto Chano, el resto me parecía que iba adecuándose sobre la marcha a lo que pasaba: Tomasito salía a bailar cuando le apetecía (no creo que tuviera unas salidas marcadas en los temas), Blas Córdoba una vez no supo si entrar a cantar o no y, hasta que Chano no tocó la melodía en el piano no lo hizo, e Israel Suárez, aunque lo hizo bastante bien en general estaba, a veces, un poco perdido. Del percusionista me quedo con el juego que hizo con Chano en la introducción de octavo tema (el penúltimo de los programados), imitándose en los ritmos. También hizo dos solos bastante buenos pero, sobre todo, me gustó el primero de ellos.

El modo frigio y los jaleos que hacían a Chano sus compañeros volaban por la sala. Los momentos de flamenco se mezclaban con los acordes típicos del jazz y con algunas improvisaciones con sonoridad jazzística e, incluso, del blues. La unión entre los géneros era tan estrecha, tan consolidada, que no era fácil advertir cuando era flamenco o cuando era jazz. Algunas personas pueden calificar esta música como que no es jazz. Yo esto no lo sé, no sé si podemos llamarlo jazz. Lo que sí sé es que el jazz siempre ha sido una música que se ha valido de otros géneros y los ha utilizado y adaptado a los rasgos típicos del jazz para crear una mayor riqueza musical. Hubo muchos momentos en los que me emocioné y, en general, disfruté mucho.

Sobre esta riqueza musical, Chano sabe mucho. No para de trabajar, de investigar y profundizar en la música. Ahora está presentando el proyecto Piano Ibérico, pero en primavera, según leí en una entrevista de Rafael Cortés a Chano en el Diario Sur (enlace aquí), presenta un disco homenaje al Kind of Blue de Miles Davis y, también, una "nueva música que se estrena con la Big Band de Berlín dirigida y arreglada por Vince Mendoza" en el mes de febrero. Es incansable.

Volviendo al concierto de anoche, algunas versiones (libres) que pudimos escuchar fueron las de El Puerto de la suite Iberia de Isaac Albéniz, Música Callada de Federico Mompou, la Danza de los Ojos Verdes de Granados, Amor Brujo y Fuego Fatuo de Manuel de Falla, además de algunas composiciones de Chano, como la que abría el concierto (Bulería Mantelería) y la que lo cerraba (Cuando te veo pasar, "pasa de todo", aclaró). Para terminar, cuando el público se puso en pie y tocaba las palmas a ritmos de subdivisión ternaria, tocaron un bis, con una sensibilidad exquisita de Chano en el piano y con el percusionista haciendo ritmos lentos (que creo que no le gustan demasiado). Cuando finalizó ese tema, el público se volvió loco y pidió un segundo bis, en el que Chano metió muchos ritmos latinos (ya lo hizo en varios temas del concierto, yo pensaba: "está metiendo un tumbao...¡pero no se le ha escapado, es a conciencia, para que la gente se de cuenta!"). El público se volvió a poner de pie, y los artistas se mostraron muy agradecidos, pero sus dos regalos fueron excelentes y el auditorio se dio por satisfecho.



Imagen: Daniel Pérez, Teatro Cervantes

Doris Cales abre el Festival en el 'Echegaray Jazz Club'

2010-11-10T12:30:00.002+01:00

Llegar al teatro Echegaray por primera vez y ver cómo habían dispuesto el patio de butacas fue realmente impactante. Muchas mesas redondas daban el ambiente propio de un clásico club de Jazz de cualquier ciudad norteamericana. Ese ambiente romántico fue inmejorable, y el propicio para recibir al grupo. Antes de que empezara el concierto, el público disfrutaba de una cerveza que obsequió la organización a cada espectador. Y entre brindis y conversaciones apareció en escena el grupo que acompañaba a Doris Cales. Estaba compuesto por el pianista German Kucich, Juanma Barroso a la batería y Antonio (Toño) Miguel al contrabajo. Cuando ya sonaba la música, salió Doris Cales, como toda una diva del Jazz, con un vestido rojo hasta el suelo y taconazos.

"Sometimes I´m happy, sometimes I´m blue... I´m happy when I with you". Con el suave swing de la composición para Broadway de Vincent Youmans arrancaba el concierto. Mis primeras impresiones fueron la inseguridad del contrabajista Toño Miguel y la de Doris Cales. El caso de Miguel no sé si sería que le costó arrancar o no, porque cuando el concierto avanzó un poco, demostró que era muy bueno. El pianista, al principio, no deslumbró mucho, aunque sus improvisaciones eran bastante coherentes. Doris Cales no arriesgó en todo el concierto excepto en los dos últimos temas. Y, ya se sabe, el que no arriesga no gana. De todo el grupo, fue la que menos me gustó. El mejor, sin duda, el señor German Kucich. Sus improvisaciones eran brillantes, pero sin hacer ningún tipo de extravagancia innecesaria. Yo estaba sentado con dos colegas de la prensa, y, cuando terminaban algunos solos de Kucich, nos mirábamos y decíamos: "¿no veas, eh?". De Juanma Barroso esperaba escuchar algún solo, pero no tuvo casi ningún protagonismo.

Tuvimos que esperar al tercer tema para escuchar la primera composición de Cales en la noche. Se trataba de Looking for Mister Goodbye. Ella explicó que se trata de la historia de alguien que echa a su pareja porque no lo aguanta más, "y le pide que se lleve la foto de su madre". Tras una introducción muy intimista entre el piano y la voz, se desarrolló el tema. Lo que no me gustó fue el final, que me resultó un tanto abrupto y, quizá, forzado.

El cuarto tema me gustó mucho. Se trataba de God bless the child, un gospel precioso, con gestos y todo incluidos. En este caso, el solo del pianista fue bestial y fue el primero que me resultó sobresaliente de la noche y que me impactó. A partir de este momento, el nivel empezó a subir. El siguiente fue uno de Stevie Wonder, pero con una sección rítmica bastante bebopera. Esto me impresionó bastante, porque nunca había escuchado algo así.

Antes de interpretar el siguiente tema explicó que le gusta experimentar con trabajos de otros artistas, ya sean del jazz o de fuera de esta música. Le tocó el turno a Almost Blue, composición de Elvis Costello dedicada a Chet Baker, del año 1982. Fue un tema muy tranquilo, que hizo que todo el público se relajara después del tema de Stevie Wonder y que provocó múltiples choques de copas y besitos entre las parejas enamoradas.

A esto le siguió un Night and Day de Cole Porter que ella versionó con mucho gusto pero, cuando intentó hacer un solo vocal, le salió bastante mal. Dejémoslo en que fue un intento fallido. A continuación I´m not in blue, compuesto por Doris Cales, que habla de que "hay que tener cuidado con lo que deseas, porque a lo mejor se cumple". Empezó con una introducción muy melancólica del contrabajo y la voz. Yo estaba pensando: "joder, si cantas así cuando no estás triste no quiero escucharte cuando sí lo estés". Cuando ya estaba pensando en el suicidio, cambió el ritmo y la tonalidad de la canción. Creó un contraste muy bueno entre esa parte muy lenta con los breaks del pianista y su solo (con mucho swing y blues), y con una improvisación redonda del contrabajista.

El décimo tema fue totalmente funky, y comenzó tras unos segundos de indecisión por parte de Cales, hasta que dijo: "iba a terminar la noche, pero sigue". El solo que hizo el Kucich me recordó mucho a Michel Petrucciani, y eso es un buen indicativo. En esta canción sí se arrancó Cales a hacer un solo vocal, que fue aceptable (aunque el piano a veces le daba ideas). Además, el punto final del tema fue perfecto, y bastante cómico porque cerraron todos a la vez en seco. Para terminar el concierto tocaron dos bis. Del primero destacaría el scat que hizo Doris Cales, que fue excelente , imitando a un saxofón. Del segundo, me quedo con el detalle del pianista de tocar parte del Now´s the time de Charlie Parker durante su acompañamiento. Me gustaría destacar una frase que dijo casi al final del concierto: "El jazz sigue estando en el sitio que le corresponde, en teatros, y entre un público excelente como vosotros". Y, para despedirme, repito lo que comentó Doris Cales, "Nos veremos en Nueva York, en España o en cualquier parte".

Imagen: Daniel Pérez, Teatro Cervantes

Marching Band Andajazz inaugura la XXIV edición del Festival de Jazz deMálaga con un pasacalles por el centro

2010-11-09T16:03:00.002+01:00

El grupo Marching Band Andajazz ha inagurado esta mañana la vigésima cuarta edición del Festival Internacional de Jazz de Málaga, con un pasacalles que salió de Plaza Uncibay y recorrió gran parte del centro de la ciudad ante la mirada atónita de los viandantes. Su estilo dixieland nos hizo volver al lugar de origen del Jazz, Nueva Orleans, con melodías conocidas por casi todos. Para mí, ha sido toda una delicia, y poder escuchar esta música por las calles de una ciudad tan grande como Málaga me ha parecido, junto con el seminario, la idea mejor idea de la organización del festival para este año.

En la fotografía, cortesía del Teatro Cervantes, podemos ver a los integrantes del grupo. Algunos de ellos son (no tengo todos los nombres): Enrique Oliver (saxo tenor), Pablo Garvé (saxo alto), Voro García (trompeta), Dani Rodríguez (percusión), Jonás Molberck (helicón y tuba), Enric Peinado (banjo) y Aran Montagood (trombón). [Como curiosidad, Dani Rodríguez, percusionista, es el baterista de la formación Kase O. Jazz Magnetism que toca una mezcla de jazz con rap, con la voz del rapero Kase O.].

Esta noche, en el teatro Echegaray actúa la neoyorquina Doris Cales en formación de cuarteto junto a German Kucich (piano), Juanma Barroso (batería) y Toño Miguel (contrabajo).

Imagen: Daniel Pérez, Teatro Cervantes

Richard Bona – Bona makes you sweat (Universal – 2008)

2010-11-07T23:47:00.001+01:00

Personal: Richard Bona (bajo eléctrico), Etienne Stadjwick (teclados), Ernesto Simpson (batería), Samuel Torres (percusión), Taylor Haskins (trompeta) y John Caban (guitarra)

Si alguien quiere conocer a Richard Bona en directo, lo mejor que puede hacer es escuchar este cd de una actuación del camerunés en Budapest, los días 11 y 12 de julio del año 2007. Tuve ocasión de escucharlo el pasado mes de noviembre y este cd representa todos los valores de los directos de Bona: brillantez, carisma, frescura y calidad artística. Creo que estos cuatro atributos definen con bastante claridad lo que es un concierto de Richard Bona.

En las ocho pistas que componen el álbum podemos encontrar desde ritmos latinos, (como en O Sen Sen, donde también hace cantar al público) sonidos típicamente africanos (concretamente, cameruneses, como en Kalabancoro) o funk suave del bueno. Son melodías pegadizas, con una estructura muy sencilla. Pero, a pesar de no ser música un tanto convencional debemos decir que no ofrezca un alto nivel de calidad. Bona es de la escuela del maestro Jaco Pastorius, y eso está presente en toda su obra, incluido este álbum. Fue la escucha de un disco de Pastorius el que le reveló, cuando Bona era un crio, la música que él deseaba hacer.

Merece especial mención Samaouma, tema vocal en el que monta todo un coro él solo grabándose haciendo distintas voces y reproduciéndolas en directo. No creo que haya que destacar la dificultad que entraña esto. Recuerda a lo que hacía Jaco en directo con Weather Report con el bajo reproduciendo en bucle varias pistas grabadas sobre la marcha. El emocionante registro de la voz de Bona provoca que te quedes absolutamente alucinado cuando escuchas este tema.

El repertorio es variado y está escogido de una forma muy inteligente, desde el intimista Kivu/Suninga hasta el festivo groove de Djombwe/I Wish/Trains. El resultado es muy profesional, medido y con escasez de improvisaciones, orientado al gran público. El ritmo del concierto está muy bien diseñado logrando mantener la conexión con el público de principio a fin. Un momento muy bonito es cuando, en el mencionado Djombwe/I Wish/Trains, pone al público a cantar. Como anécdota, en el concierto que vi el año pasado, hizo esto mismo pero ponía a cantar primero las chicas, luego los chicos, luego juntos, etc. Fue precioso y la gente se lo pasó muy bien.

Algo que me gusta mucho de Bona es que no es un exhibicionista, a pesar de que tiene temas que están hechos para que se luzca él (al igual que el batería). Para terminar, no hay que dejar de escuchar el tema funky Indiscretions/Please Don't Stop, ya que tiene al final un solo rockero de guitarra eléctrica que mantiene al oyente totalmente descolocado (para bien). Con el bis, el concierto culmina con otra versión de la rumba con la que empezaba el concierto, con un tumbao excelente a cargo del pianista, y me parece que el éxito del mismo es mérito de él y del percusionista.

Gracias Tocho

Cifu gana el premio especial del jurado en los Premios Ondas

2010-11-03T22:49:00.001+01:00

Hace un tiempo escribí una entrada en la que comentaba que había un grupo en Facebook que pedía el premio Ondas para Juan Claudio Cifuentes. Bueno, el premio especial del jurado ha sido otorgado a nuestro amigo Cifu. Los aficionados al Jazz estamos muy contentos (yo, al menos, no quepo en mí de la alegría), y te damos nuestra más sincera y profunda enhorabuena.

Noticia en El País y en rtve.es

Señores, el pulpo Paul ha muerto

2010-10-26T17:28:00.001+02:00

El pulpo Paul, amigo de España, ha muerto hoy. Y dando esta noticia, este blog se acaba de convertir en un medio informativo del nivel de la mayoría de los telediarios. Casi todos abrían con esta noticia. ¿No pega poner al final "ADV"?

(Escuchando: One For Daddy-O - (Somethin' Else) Cannonball Adderley)

"¿Quién se ríe ahora? He ganado el sombrero"

2010-10-24T01:31:00.002+02:00

Pero qué grandes...

Programación Festival Internacional de Jazz de Málaga 2010

2010-10-19T09:25:00.001+02:00

Ayer por la mañana se presentó en el Teatro Cervantes la programación de la 24º edición del Festival Internacional de Jazz de Málaga de este año que se celebrará entre los días 9 y 13 del próximo mes de noviembre. La agenda está bastante completita con conciertos de bastante importancia. No voy a ordenarlos por relevancia, sino por fecha. Indicaré cuáles son los 3 conciertos que se celebrarán en el Cervantes y dónde son las demás actividades:

9 de noviembre:

Todos los días, a las 13:00 horas, pasacalles por el centro de la localidad a cargo de Marching Band Andajazz.
Doris Cales Quartet a las 22:30 horas. Será en el Teatro Echegaray. Las entradas son a 15 euros.

10 de noviembre:

Comienzo del I Seminario Internacional de Jazz en el Conservatorio Profesional de Música Manuel Carra. De 10:00 a 14:00 horas. Terminará el viernes 12 de noviembre. Las clases las impartirán: Seamus Blake (saxo tenor), Matt Clohesy (contrabajo), David Kikoski (piano), Lage Lund (guitarra), Ramón Prats (batería), Ernesto Aurignac (iniciación al jazz).
Chano Domínguez a las 21:00 horas en el Teatro Cervantes, con entradas entre 9 y 24 euros.
Ana Cisneros Trio con Fredrik Carlquist al saxo tenor. En el Teatro Echegaray por 15 euros a las 22:30 horas.

11 de noviembre:

La Insostenible Big Band en el Teatro Echegaray a las 21:00 horas a un precio único de 10 euros.

12 de noviembre:

A las 20:00 horas, Masterclass del Seamus Blake Quintet en el Teatro Echegaray.
A las 21:00 horas, el trío Bad Plus aterriza en el Cervantes con localidades a 18 euros.
A las 22:30 horas, Seamus Blake Quintet actúa en el Teatro Echegaray, con un precio de 15 euros.

13 de noviembre:

A las 21:00 horas, Dayna Kurtz, en dúo junto a Peter Vitalone, actúa en el Teatro Cervantes. Las entradas cuestan 15 euros.
A las 22:00 horas, y a modo de cierre de esta edición del festival, Sacri Delfino Trio en el Teatro Echegaray. Las entradas también cuestan 15 euros.

Haciendo click en este enlace, os podéis descargar un PDF con mucha más información del Festival. Está colgado en la página Web del Teatro Cervantes.

Os animo a que os apuntéis a alguna de las actividades, ya que son conciertos bastante interesantes. En una ciudad donde las actividades relacionadas con el jazz no son, ni mucho menos, habituales, en el mes de noviembre nos vamos a poner las botas. La programación de este Festival Internacional y la que llevará a cabo el Museo Picasso durante el mes de noviembre y el primer fin de semana de diciembre son citas obligadas para los amantes de este género. Espero que tengan éxito y que se puedan repetir durante mucho más tiempo. Mi más sincero agradecimiento a todas las organizaciones que, como estas, apuestan por el Jazz.

Gene Harris & Scott Hamilton Quintet - At Last

2010-10-18T18:33:00.001+02:00

Ya escribí en una entrada anterior que había un tema que no podía dejar de escuchar. Bien, pues vamos a hablar un poco del disco en el que se integra. En At Last podemos encontrar un quinteto de excepción liderado por el pianista norteamericano Gene Harris y por el saxofonista tenor Scott Hamilton. Le acompañan Herb Ellis a la guitarra, Ray Brown al contrabajo y Harold Jones a la batería. De entrada, el oyente sabe que va a escuchar un disco repleto de swing y de blues, ya que los nombres de Harris, Ellis y Brown suenan inconfundiblemente a eso.

El disco es difícil de encontrar en tiendas. Se publicó en el año 1990, con el sello de Concord Records. Hamilton ya tenía una dilatada carrera en Concord, y en el año 1990 había grabado más de 15 álbumes para esa discográfica. De hecho, Hamilton era una Concord Jazz All Star.

Los diez temas que forman parte de este espléndido disco están repletos de swing e, incluso, tienen una gran influencia del gospel, sobre todo debida a Harris. El pianista tiene un gran papel protagonista (tanto o más que Hamilton), por sus repetidos solos y, también, por su acompañamiento. De hecho, en Blues for Gene, Harris hace un walking bass mientras Ray Brown toca su improvisación. Esto es algo bastante poco común en el jazz y, aunque curioso, puede suscitar críticas. De todas formas, queda bastante bien encajado en el solo de Brown.

El papel de todos los músicos es extraordinario. La sección rítmica, a mi entender, es perfecta. El contrabajo de Ray Brown tiene un peso tremendo, y Harold James es un baterista absolutamente correcto. No se sale en ningún momento de un segundo plano de acompañamiento rítmico. Sin ningún tipo de artificio. Para terminar, a mí me resulta especialmente conmovedora la versión de I fall in love too easily. En ella, tras unos breves compases de piano, Hamilton luce su sensibilidad, con un sonido profundo que llena toda la grabación. Quizá sea su papel más contundente en el álbum. En un lado opuesto, con mucho ritmo, encontramos You are my Sunshine, Some of These Days o Sittin’ in the Sandtrap que son de esos temas en los que no puedes parar de menear los pies.

Como nota negativa al disco, quiero destacar la monotonía del disco. Escucharlo entero de una vez resulta algo pesado, porque todo es demasiado parecido. Aún así, es un disco interesante, con un carácter fuertemente influido por Harris.

Enlace a Spotify

La Insostenible Big Band actuará mañana en la Escuela de Arte Dramático de Málaga

2010-10-14T18:53:00.000+02:00

Mañana viernes 15 de octubre, a las 20:00 horas (según reza el evento que me ha llegado al Facebook), La Insostenible Big Band ofrecerá un concierto completamente gratuito en la Escuela de Arte Dramático de Málaga, situada en la Calle Bela Bartók, s/n (junto a la fuente de colores de Teatinos). Es una gran oportunidad para conocer a esta big band malagueña. Según me comentó Nacho Doña, pianista y subdirector de dicha agrupación, mañana tocarán muchos temas que forman parte de un repertorio nuevo. Es una ocasión espléndida para poder disfrutar de buen jazz y de una banda con mucha fuerza y consistencia. Mañana a las 20:00 horas.

Pepe Delgado & Reunión de Blues en Molly Bloom's

2010-10-11T18:57:00.002+02:00

Me he propuesto ir comentando algo de los lugares donde pongan buena música en el entorno donde yo me muevo. Realmente echo mucho en falta tener un lugar donde evadirme de la música comercial que habitualmente rodea los lugares donde se sale a tomar una copa, y en las ciudades donde vivo (Algeciras y Málaga), no hay apenas ningún lugar donde escuchar música de calidad, ya sea en conciertos en directo o en discos puestos como música de ambiente.

Precisamente anoche estuve en un Irish Pub en La Línea de la Concepción (Cádiz), llamado Molly Bloom's en el que se pueden escuchar buenos conciertos en directo. Tienen un buen equipo de sonido y suelen traer a bandas de rock, pop, jazz y blues. Los conciertos son los domingos. Por desgracia, no puedo ir casi nunca, porque cuando vengo a Algeciras a pasar un fin de semana me tengo que ir el domingo. Como esta semana he hecho puente, he podido ir a ver y escuchar el concierto que había programado para anoche. Se trataba de un concierto 100% blues como rezaba el subtítulo del nombre del grupo: Pepe Delgado & Reunión de Blues. Un quinteto con instrumentos tan blueseros como la armónica, una batería muy simple, contrabajo, guitarra acústica y eléctrica nos hicieron viajar en el tiempo y en el espacio. Nos llevaron a cualquier bar rural de los aledaños del río Mississippi durante los años 20 del siglo pasado.

Para disfrute de los campogibraltareños tenemos varios locales donde se hace música en directo, algo que ha quedado en el olvido, dejando paso a músicas estridentes, desprovistas de ritmo (aunque parezcan muy marchosas) y sin ningún tipo de elaboración musical, en su sentido más literal y estricto. De los demás locales donde podemos disfrutar de música en directo en esta zona, en Málaga y en otras ciudades que visite ya escribiré en próximas entradas de este blog. Aunque esto pueda considerarse publicidad me da exactamente igual, los pubs que apuestan por ofrecer música en directo (y más si se trata de algo tan arriesgado como el jazz o blues) merecen eso y mucho más.

Cifu para el Ondas

2010-10-05T21:59:00.001+02:00

Recientemente vi un grupo de Facebook que me llamó mucho la atención. No solo llamó mi atención, sino que me uní inmediatamente y lo envié a todos mis contactos que podían estar interesados. Se trata de "Cifu para el Ondas". Con él, se persigue que concedan este reconocimiento a Juan Claudio Cifuentes, quien lleva casi cuatro décadas difundiendo el jazz de una forma extraordinaria a través de las ondas. Su trabajo ha sido (y es) impresionante.

Sus programas radiofónicos Jazz porque sí (Radio Clásica) y A todo jazz (este más reciente, y en Radio 3 los fines de semana), y su programa televisivo Jazz entre amigos, que estuvo en antena durante 7 años han tenido un gran calado entre los aficionados y amantes del jazz. El siempre pedagógico y entusiasta Cifu merece el premio Ondas más que muchas personas que ya lo han recibido. Su larga carrera profesional lo avala, y esperemos que así lo entiendan los que decidan a quién va el "Premio Ondas a la trayectoria o labor profesional más destacada y/o dilatada".

Si alguien se quiere unir a dicho en grupo en Facebook, que haga click aquí.

Agenda noviembre - diciembre de conciertos de jazz en Málaga

2010-10-03T19:46:00.001+02:00

Durante los meses de noviembre y diciembre tendremos varios conciertos de jazz muy interesantes en Málaga. Por ahora, tengo anotados 5 eventos:

11 de noviembre: La insostenible Big Band en el Teatro Echegaray a las 21:00 horas. Precio: 10 €
12 de noviembre: Marilyn Crispell en el Museo Picasso a las 21:00 horas. Precio: 10 €
13 de noviembre: Geri Allen en el Museo Picasso a las 21:00 horas. Precio 10 €
26 de noviembre: Myra Melford en el Museo Picasso a las 21:00 horas. Precio 10 €
3 de diciembre: Judith Berkson en el Mueo Picasso a las 21:00 horas. Precio 10 €

Si alguien se entera de más actividades jazzísticas que lo escriba en un comentario y lo añado en la entrada. Por cierto, aún estamos a la espera de qué pasa con el festival de jazz del Teatro Cervantes.

Oscar Peterson - Hymn to Freedom

2010-10-02T01:08:00.002+02:00

Este es otro de los temas que me tiene completamente cautivado. Mezcla el lirismo y la solemnidad propias de la música espiritual con el blues en su máxima expresión y el swing propio de uno de los grandes pianistas de jazz. Lo podemos encontrar interpretado por Oscar Peterson en muchos álbumes. Por ejemplo, en el disco Nigh Train podemos escuchar una versión de estudio, en Paris Concert, en Live in Yugoslavia en el año 1964, etc. En esta entrada quería hablar de la versión del Paris Jazz Concert en el año 1964. Afortunadamente, la podemos encontrar en Youtube.

Bien, informo a los amantes de Peterson de que tengo la transcripción. Si alguien la quiere que me envíe un correo electrónico y le digo dónde puede adquirirla. Yo ya la tengo más que vista y estoy tratando de aprender ciertos movimientos rítmicos que hacía Peterson y ya me he estudiado los acordes para improvisar sobre ellos. No es demasiado complicado, ya que te llevan a melodías bastante intuitivas. Además, no solo puedes hacer blues con este tema, sino que permite mezclar distintas escalas y acordes. Es una delicia.

Siento ser tan pesado con Oscar Peterson, prometo dejarlo apartado durante un tiempo, pero esta entrada tenía que hacerla para informar sobre la existencia de la transcripción exacta del tema en esa versión.

Stefano di Battista - Parker's Mood

2010-09-22T19:23:00.001+02:00

En el año 2004 Stefano di Battista, acompañado de unos músicos excepcionales, sacó el disco Parker's Modd. Este álbum supone un homenaje a uno de los grandes saxofonistas de la historia del jazz: Charlie Parker. Los músicos que forman parte de esta agrupación Stefano di Battista al saxofón, Kenny Barron al piano, Rosario Bonaccorso al contrabajo y Herlin Riley a la batería. Además, en algunos temas se suma Flavio Boltro a la trompeta.

La lista de los temas que di Battista versiona son:

Salt Peanuts
Embraceable You
A Night in Tunisia
Parker's Mood
Confirmation
Donna Lee
Laura
Hot House
Congo Blues
'Round Midnight

Lo escuché por primera cuando buscaba en Spotify música de Kenny Barron. La verdad es que me pareció un álbum innovador. Me gusta mucho Charlie Parker, y que alguien se atreva a hacer un disco completo en homenaje a él me parece muy valiente y atrevido. Eso es algo que valoro mucho. Me costaba encontrar el álbum en España, pero me topé con él de casualidad en una tienda de discos en Roma la semana pasada. Espero que disfrutéis de él.

Comprar en iTunes Store

2010-09-13T14:41:00.002+02:00

Esta mañana decidí comprarme una tarjeta prepago de esas para poder comprar música en iTunes Store. Lo pensaba hacer porque deseaba comprar un disco que no estaba en tiendas, así que tendría que descargarlo en plan pirata o comprarlo por Internet. Al final me decidí a comprarlo por esta tienda de Apple, que tiene casi todos los discos que uno puede desear. No me hacía demasiada gracia, ya que me gusta mucho más tener el disco en soporte físico, pero no tenía otra.

Fui a El Corte Inglés buscando esas tarjetitas. Aunque le disco valía unos 8 euros, la quería de 20 euros, para aprovechar y comprar canciones que me gustan y que me quiero escuchar en el iPod en vez de en el Spotify. Bueno, la he comprado de 25 euros, porque las había de 15, 25 y de 50. No sabéis qué gustazo eso de elegir temas, canciones y discos como el que compra gominolas. Me he comprado todo lo que quería y aún me quedan 13 euros y pico. Los guardaré para seguir comprando música por aquí. Por supuesto, si alguno de vosotros quiere alguna canción y no quiere bajarla en plan piratilla que me llame y yo le digo dónde puede comprarse una tarjeta de estas.

¿Qué puede ser peor que ser homosexual y amigo de judíos?

2010-09-12T15:33:00.000+02:00

Un diplomático saudí ha pedido el asilo político por ser gay y amigo íntimo de una mujer judía. Echad un vistazo a esta noticia que ha salido hace un ratito en Menéame: http://www.meneame.net/story/diplomatico-saudi-pide-asilo-eeuu-tras-descubrirse-gay-tiene. Seguro que, además, el tío es respetuoso con el medio ambiente y cede su asiento en el autobús a las ancianitas. ¡A la horca!

Gene Harris - You are my sunshine (At Last)

2010-09-12T15:27:00.001+02:00

A veces me engancho mucho a un tema o a una canción. Eso me ha pasado con la versión de You are my sunshine interpretada por un quinteto fantástico. Lo integran Gene Harris (piano), Scott Hamilton (saxofón), Herb Ellis (guitarra), Ray Brown (contrabajo) y Harold Jones (batería). Está en el álbum titulado At Last, cuyos líderes son Hamilton y Harris. Tiene un ritmo espléndido, y el acompañamiento de Harris mientras improvisa el saxo es bestial, al igual que su pequeño solo que sigue al de Herb Ellis.

Lo encontré en Spotify de casualidad, cuando buscaba cosillas de Hank Jones. El disco no sé si está disponible en las tiendas. Lo busqué en la página Web del FNAC pero no aparece, así que no sé dónde buscarlo. Si alguien sabe de algún sitio donde se pueda adquirir en un formato físico de disco le agradeceré mucho que me lo diga. Como tampoco está en Youtube, voy a dejar el enlace directo para escucharlo en Spotify. Solo tenéis que hacer click aquí. Si no tenéis este programa, podéis descargarlo de su página oficial. Espero que lo disfrutéis tanto como yo.

You are my sunshine - Gene Harris

2010-09-12T15:26:00.001+02:00

A veces me engancho mucho a un tema o a una canción. Eso me ha pasado con You are my sunshine interpretado por un quinteto fantástico integrado por Gene Harris (piano), Scott Hamilton (saxofón), Herb Ellis (guitarra), Ray Brown (contrabajo) y Harold Jones (batería). Está en el álbum titulado At Last, cuyos líderes son Hamilton y Harris.

Lo encontré en Spotify de casualidad, cuando buscaba cosillas de Hank Jones. El disco no sé si está disponible en las tiendas. Lo busqué en la página Web del FNAC pero no aparece, así que no sé dónde buscarlo. Si alguien sabe de algún sitio donde se pueda adquirir en un formato físico de disco le agradeceré mucho que me lo diga. Como tampoco está en Youtube, voy a dejar el enlace directo a Spotify. Si no tenéis este programa, podéis descargarlo de su página oficial. Espero que lo disfrutéis tanto como yo.

Oscar Peterson – Nigerian Marketplace

2010-09-01T14:54:00.001+02:00

Inauguramos nuevo mes con una recomendación. Se trata del disco grabado en directo, en el festival de Montreux en el año 1981 por Oscar Peterson en formación de trío, acompañado por Niels Orsted Pedersen al contrabajo y Terry Clarke a la batería. Se trata de una auténtica joya, con 6 temas, entre los que se encuentran algunos de mis favoritos de este brillante pianista.

La lista de los temas que conforman este álbum son:

Nigerian Marketplace
Au Privave
Misty / Waltz for Debby
Nancy
Cakewalk
You look good to me

El primero y el quinto son composición del maestro del piano, mientras que los otros son de distintos autores, como Bill Evans o Charlie Parker. En definitiva, un disco imprescindible en toda estantería. Mucho blues y un swing espectacular. Vamos, a lo que nos tiene acostumbrados Oscar Peterson.

"El arte es cuestión de autoridad y de disciplina, hay que trabajar muy duro"

2010-08-29T20:37:00.002+02:00

Mientras le hacen las fotografías para la entrevista, el guitarrista algecireño Juan Ignacio Rueda toca Asturias, de Isaac Albéniz. A petición popular toca jazz. Lo hace con timidez porque no es el género en el que se desenvuelve diariamente, que es el de la guitarra clásica.

Pregunta. ¿Cómo se le ocurre empezar a tocar la guitarra?

Respuesta. Mis padres me animaron a tocar la guitarra flamenca cuando tenía unos nueve años. Empecé a recibir clases de Salvador Andrade, con quien estuve un año. Luego, me apunté al Conservatorio para tener una formación de guitarra clásica.

P. ¿A qué otros géneros le gusta aproximarse?

R. Uno de ellos es el flamenco, aunque lo hago con distancia y de forma muy respetuosa. Pero, sobre todo, dejo la puerta abierta a estudiar jazz, lo que pasa es que actualmente no tengo tiempo para hacerlo. Si me propongo aprender guitarra jazz lo haré dedicándole todas las horas que dedico a la guitarra clásica.

P. ¿Cuáles han sido sus grandes maestros?

R. He recibido clases magistrales por parte de profesores muy buenos, como el gran David Russell o Franz Halasz, mi profesor actual. Pero para mí, los maestros más importantes han sido los primeros que tuve, como Vicente Muñoz o Ignacio Ábalos, quienes me hicieron pasar de ser un niño a un adulto, musicalmente hablando.

P. ¿Cuáles son sus proyectos de futuro?

R. Seguir formándome. Cada vez es más complejo lo que estudio. También quiero continuar con mis recitales, tanto en Alemania, donde vivo ahora mismo, como en España. Además, tengo que preparar dos concursos, uno de ellos es el Concierto Internacional de Guitarra Infanta Cristina, que se celebrará en Toledo el próximo año. En el futuro, me gustaría compaginar mi labor como intérprete con impartir clases.

P. ¿Lleva un programa determinado para sus conciertos o va variando ?

R. Eso va en función del lugar y el público. Llevo un programa base, y lo ofrezco durante varios meses o, incluso, un año. Suele constar de música española, de Turina o Joaquín Rodrigo entre otros. Por ejemplo, para el festival de Stuttgart, tuve que adaptar mi programa, ya que su temática era la música contemporánea. Tuve que aprender una obra del compositor catalán Salvador Brotons en una semana.

P. ¿Por qué elige la música española como parte fundamental de su programa?

R. Apuesto por la música española porque me gusta mucho y, además, al tocarla en el extranjero, me siento como un embajador de mi propia cultura. De todas formas mi programa es abierto, y también me gusta la música contemporánea, lo que pasa es que es difícil ofrecerla al público, debido al poco conocimiento que hay sobre ella.

P. ¿Por qué le gusta?

R. La música contemporánea me resulta muy interesante porque está viva e, incluso, puedo conocer a los compositores y formularles todas mis dudas.

P. ¿Compone?

R. No, estoy centrado exclusivamente en la interpretación, aunque me atrae la composición y trabajar con los compositores.

P. ¿Qué es lo más gratificante de su trabajo?

R. Sinceramente, lo que más me gusta es tener la oportunidad de viajar mucho y compartir experiencias con personas de muchos lugares. Se produce un intercambio cultural muy rico, y puedo beber de él.

P. ¿Cuántos conciertos ha dado durante el verano?

R. Pues vine de Bosnia y de Serbia en junio. Luego di dos conciertos, a mediados de junio, en España: uno en Cádiz y otro en Linares. Hace muy poco he estado en el festival de Stuttgart, en Alemania.

P. ¿Qué le parece la situación cultural en el Campo de Gibraltar?

R. La situación está muy descuidada. Es una cadena en la que todos son culpables: desde el ayuntamiento que no invierte en cultura hasta los organizadores que no traen buenos espectáculos. Es muy triste y preocupante. En Algeciras no hay teatro ni sala de audiciones. Me parece increíble que tampoco haya cine, cuando el séptimo arte es algo tan propio de la cultura contemporánea.

P. ¿Qué consejos daría a aquellos que están empezando en el mundo de la música?

R. Que se acerquen a ella de la manera más sencilla y honesta posible. Que aprendan, y que la utilicen como un medio de comunicación hacia los demás.

P. ¿Es verdad que los músicos son muy excéntricos?

R. (Risas) La palabra no es excéntrico. Es, simplemente, que todo tipo de trabajo artístico requiere sensibilidad. Los artistas desarrollamos la sensibilidad de una manera especial. Por tanto, tenemos una personalidad característica.

P. ¿Qué puede decirme sobre Paco de Lucía?

R. Paco es una fuente de motivación. Es algo sobrenatural. Lo considero el mejor guitarrista del mundo, aunque él se dedique al flamenco y yo a la guitarra clásica. Cuando lo escucho me entran muchas ganas de estudiar, me inspira muchísimo.

P. Para terminar, ¿algún disco que no pueda dejar de escuchar?

R. Sirocco, de Paco de Lucía, la grabación completa de la obra de Joaquín Rodrigo por Marco Socías y alguna canción de Sabina.

Esta entrevista la hice el pasado jueves para el periódico Europa Sur. Ha salido publicada hoy. Aunque no sea sobre jazz, espero que os haya gustado. Os dejo el enlace aquí.

Chano Domínguez - Blues del Montseny

2010-08-29T20:30:00.001+02:00

Todo el mundo conoce al brillante pianista gaditano Chano Domínguez por su fusión perfecta entre jazz y flamenco. En este vídeo podemos ver a Chano haciendo un blues puro con un gusto excelente.

Mi definición de Periodismo

2010-08-23T17:33:00.001+02:00

Periodismo es escribir en un mismo día sobre un recital de poesía y sobre un concierto de David Bisbal

"Océano de conocimientos"

2010-08-21T18:28:00.001+02:00

El otro día una compañera del periódico dijo la siguiente frase:

Los periodistas tenemos un océano de conocimientos de medio metro de profundidad

Aunque no es suya, yo no la había escuchado antes. Me parece una verdad como un templo. Ahí queda.

Y nos quejamos por el aeropuerto al lado de Plaza Mayor (Málaga)

2010-08-21T17:42:00.002+02:00

Acabo de ver en Menéame una fotografía de un avión 747 aterrizando en el aeropuerto, que está al lado de una playa pública (Mahó Beach). La foto es de Kent Miller, y es ganadora de un concurso de National Geographic. Adjunto el enlace a la página original.

Los que hayáis estado en el Plaza Mayor de Málaga, sabréis que está al lado del aeropuerto, y que cada dos por tres suena el molesto ruido de aviones aterrizando. Las pobres personas que asistan a esta playa sí que tienen que pasarlo mal.

Serie sobre 'Los Pilares de la Tierra'

2010-08-21T02:14:00.002+02:00

En la primera entrada de mi regreso, quería informaros sobre la nueva serie que estoy viendo, que está basada en el magnífico libro de Ken Follet: Los Pilares de la Tierra. El libro lo terminé hace algunos días, ahora estoy leyendo Tokio Blues, de Murakami, que le regalé a una amiga y ahora me lo ha prestado (por si a alguien le interesa). En definitiva, he empezado a ver la serie, que actualmente está solo en inglés, y quería comentar cuál es mi parecer sobre la serie cuando he visto cinco capítulos (los que han salido hasta ahora).

La serie, según tengo entendido, tendrá unas 8 horas de duración. Cada capítulo dura unos 50 minutos, por lo que intuyo que serán 8 episodios los que compondrán la serie. De todas formas no confiéis mucho en esto, ya que he leído datos contradictorios. Lo importante es que ya he visto unas 5 horas de la serie, y tengo una pequeña valoración de la misma. Está bastante bien hecha, en lo que se refiere a fotografía y, sobre todo, a la caracterización de los personajes. Tom, Ellen, Richard, Jack, Aliena, Martha y Waleran superan con creces mi expectativas. Aliena es tan bella como la imaginaba, tanto que estoy deseando (al igual que casi todos los hombres) que lleguen sus escenas de sexo. La simpatía de Martha ha hecho que se convierta en uno de mis personajes favoritos de la serie. Hay otros que no me gustan cómo los han caracterizado, y son William, Alfred y Philip. No es que no me guste la caracterización del monje, sino que no lo veo tan bueno e inocente como en la novela.

Como aspectos negativos de la serie, no me gusta que se inventan demasiadas cosas. No quiero contar aquí mucho por aquellos que aún no han visto la serie, pero cambian cosas de forma innecesaria. Entiendo que es una serie para televisión, y que el director también tiene derecho a ser algo creativo, pero hay cosas que están cambiadas y no tienen nada que ver con tener que recortar para encajarlo en un número de episodios (hablamos de un libro de más de 1000 páginas).

Uno de los momentos más esperados, por todo el morbo que tiene, es el de la violación de Aliena por parte de William. Esa escena es tremenda en el libro, muy bien caracterizada y con gran importancia para el resto de la novela. En la serie, en cambio, pasa como un suceso sin importancia, aunque luego se percibe cómo Aliena no puede olvidarse de aquello, como pasa en el libro, pero trastocando el hilo argumental de la historia (como el espectador se dará cuenta en el capítulo 5). En el libro, algo que me gustó mucho es que trata el sexo de una forma completamente natural, con detalles y con mucho realismo. Eso transmite al lector la seguridad con la que Ken Follet escribió esa parte, y la naturalidad con la que lo trata es de agradecer, porque el sexo, en muchos libros, lo tocan de pasada, mientras Follet dedica extensas y cuidadas líneas a este tema, que expresa, como he dicho, con gran precisión. En la serie, en cambio, hasta ahora no pasa lo mismo.

Confesiones: clases con Galiardo

2010-08-16T18:43:00.001+02:00

Hace unos días colgué en el blog una entrevista que hice al pianista de jazz Juan Galiardo para el diario regional Europa Sur. Con esta entrada quiero continuar la serie de artículos titulados como Confesiones, en los que hablo de mí mismo. No es que piense que mi vida resulte interesante para vosotros, ni mucho menos, pero me gustaría que me conocierais, aunque solo sea un poco, para saber algo de quien os escribe.

Como ya comenté en la primera confesión, toco el piano. Ya son bastantes años los que llevo haciéndolo, pero tocando jazz llevo unos 4 años. Por tanto, no me veo con la suficiente soltura como para decir que soy pianista de jazz. Para mí, tocar jazz es un respiro dentro de la complicada vida que llevamos. Tenemos horarios, obligaciones y responsabilidades. A mí me gusta dedicar tiempo para mí, en el que yo solo disfrute de la música, la lectura, el cine o la televisión. En Málaga, la ciudad donde estudio actualmente, he montado un trío de jazz junto a un contrabajista y un baterista. Solo he tocado una vez con ellos, pero la cosa salió bien y nos entusiasmamos los tres.

Debido al grupo este en el que estoy y a la satisfacción personal que siento cuando toco jazz, decidí empezar a recibir clases de jazz. No se me ocurrió nadie mejor que un músico de la talla de Juan Galiardo. Este sanroqueño tiene un nivel altísimo, que se prueba con que estudió en el Berklee College of Music de Boston (EE UU). Pensé que alguien de su altura sería algo inaccesible o, al menos, que tendría una agenda muy complicada. Pero cuando contacté con él todo fue amabilidad y facilidades. Es una gran persona, y ya he dado una clase con él y he aprendido muchísimo

El jazz pierde a su última gran dama

2010-08-15T12:40:00.001+02:00

El jazz se ha quedado esta madrugada sin una de sus voces más destacadas y comprometidas . La cantante y compositora Abbey Lincoln ha muerto en Nueva York a los 80 años. Lincoln fue también un personaje controvertido por su compromiso con los derechos humanos y raciales en los años sesenta en Estados Unidos.

La interprete ha muerto en Manhattan, residió gran parte de su vida en el Upper West Side. Según recoge el diario The New York Times , el hermano de la artista, David Wooldridge, confirmó que la cantante falleció el sábado. Las causas de su muerte no se han revelado, aunque Lincoln estaba delicada de salud desde que fue operada a corazón abierto en 2007.

Durante los años 60 tuvo una participación muy activa en defensa de movimientos sociales y defensa de las minorías. En esa época tuvo éxito también en el cine y luego se retiró hasta que reapareció con fuerza en la década de 1990 como cantante, compositora y líder espiritual .

Lincoln actuó con Ivan Dixon en 1964 en el drama racial Nothing But a Man y con Sidney Poitier en For Love of Ivy (1968). Su música fue derivando desde los experimentos más estridentes y rupturistas del africanismo militante hacia un repertorio predominantemente baladístico, con una dulce modulación inspirada en Billie Holiday. Entre sus últimos discos están The World Is Falling Down (1990), Devil's Got Your Tongue (1993), A Turtle's Dream (1995) y Who Used to Dance (1996).

La cantante nació en Anna Marie Wooldridge en Chicago el 6 de agosto de 1930 y creció en el área rural de Michigan como la décima de una familia de doce hermanos. Llamada por la música desde joven se mudó a Los Angeles a los 19 años donde comenzó su carrera, que ha mantenido en activo. dio una serie de tres conciertos en el Lincoln Center de Nueva York en 2002 y su último disco, Abbey Sings Abbey, lo grabó en el 2007 a los 77 años.

Artículo copiado de El País esta mañana, el enlace original está haciendo click aquí.

"La libertad que ofrece el jazz a los músicos es algo muy valioso"

2010-08-08T12:41:00.001+02:00

La música es un mundo muy complicado. Es competitivo, y cuesta mucho trabajo hacerse un hueco. De todas formas, cuando tienes claro que esa es tu vocación, todo resulta más sencillo. Juan Galiardo es un ejemplo de que se puede llegar lejos con esfuerzo y dedicación.

Este sanroqueño tenía muy claro desde que era pequeño que se quería dedicar a la música. "Era con lo que más disfrutaba, así que lo tenía muy claro", afirma Galiardo. Le apadrinó el guitarrista de jazz gaditano Manolo Perfumo, y empezó a tocar por todas partes cuando estaba empezando a tocar jazz, según comenta.

En el año 1994 se fue a hacer un curso de verano a la Universidad de Berklee, en Boston. A partir de ese momento su mayor ilusión era volver a la mejor universidad de música del mundo. Lo consiguió en el año 2002, gracias a una beca de la Junta de Andalucía y otra de Berklee, quien le becó tras escucharle en una audición en Barcelona. Hizo los estudios en tres años, aunque son cuatro. Le concedieron el Magna Cum Laude, una de las máximas calificaciones que se puede dar a un estudiante. Sus compañeros eran músicos de la talla de Esperanza Spalding, Christian Scott o Hiromi. "Cuando estaba tocando en las cabinas de estudio, podías ver a un lado a un coreano que tocaba de escándalo y a otro lado a Hiromi, el nivel allí es altísimo".

De todas formas, Galiardo mantiene, con modestia, que la calificación es lo de menos. "Lo importante es la valía como músico, tocar con gente y disfrutar del trabajo".

De su vida en Berklee guarda muy buenos recuerdos. "Allí era todo jazz: tenía clases, tocaba con grupos, daba algún concierto y todas las noches había varios bolos a los que podía ir". En Estados Unidos asegura que hay mucha cultura musical, sobre todo en lo referente al jazz, ya que para ellos es su tradición cultural.

En el año 2003, durante el periodo de sus estudios en Berklee, hizo una gira en Japón. También ha estado de gira en otros muchos países, como Filipinas, Irlanda, Inglaterra o Francia. En Filipinas estuvo con un grupo de soul, con el que grabó un disco: Satya Project. La grabación de este proyecto duró tres años, ya que en el disco aparecen muchos artistas, orquestas, etc. Recuerda, risueño, sus actuaciones en Manila, donde estuvo en una isla paradisíaca que nunca podrá olvidar. En Estados Unidos ha tocado en varias ciudades, además de las audiciones de Berklee, donde, como público, asistía gente que sabía mucho de jazz.

El jazz es, probablemente, el estilo musical que permite una mayor libertad al intérprete, y esto es muy importante para desarrollar la creatividad. "La libertad que ofrece el jazz hace que nunca salga igual un tema aunque lo toques 100 veces, puesto que siempre haces algo diferente", señala.

Juan Galiardo sostiene que es una música que tiene que tener un balance perfecto entre pasión y técnica. "Un músico muy técnico pero que no sienta lo que toca es malo, al igual que el que siente pero no tiene destreza alguna", apunta.

Sus influencias musicales son variadas, y van desde Bach, quien fue el primer músico al que admiró, hasta McCoy Tyner, Herbie Hancock, Keith Jarrett, Bill Evans o John Coltrane.

"A mí no me gusta todo el jazz, sino que tengo mis preferencias. Oscar Peterson, Kenny Barron o Mulgrew Miller me gustan mucho, y algún día me gustaría montar un trío y tocar ese estilo". "De todas formas -añade- la variedad de géneros que ofrece el jazz, permite que tengas un gran abanico de opciones para elegir, tanto para tocar como para escuchar, y así aprendes continuamente".

Juan Galiardo ha tocado con músicos muy importantes a nivel internacional, como Jerry Bergonzi, Dave Santoro, Dick Oatts, Mark Whitfield, Darren Barrett, Joe Magnarlli, Mark Ledford, Andrea Michelutti o Kelly Sae.

Uno de los logros de Galiardo dentro de la provincia de Cádiz son las Jornadas de Jazz de Cádiz, que se han celebrado durante cinco años consecutivos, pero que este año, que iba a ser la sexta edición, no ha podido desarrollarse debido a la crisis económica. "Las jornadas siempre han tenido gran acogida. He disfrutado mucho en ellas, sobre todo cuando conseguí que viniera Kenny Barron, porque estuve tocando dos horas a solas con él". Le enseñó un tema que compuso dedicado a él, que tituló como Kenny´s Mood. Para todo músico es un honor y un privilegio poder tocar con uno de sus mayores ídolos. Y él lo cumplió.

Respecto al Jazz en la provincia de Cádiz, y en concreto en el Campo de Gibraltar, comenta que hay mucha gente aficionada al jazz. En Cádiz, por ejemplo, asegura que había muchos músicos de jazz, incluso más que en Sevilla u otras provincias andaluzas. "Podría ser un buen empujón al jazz en la zona que se hiciera un festival con vocación de continuidad en la comarca, pero es difícil".

Galiardo anima a que la gente escuche jazz, "ya que es una música muy variada, muy buena, y que puede representar muchos estados de ánimo". También recomienda que los que quieran empezar a escuchar jazz lo hagan por autores y discos sencillos de escuchar, puesto que el jazz puede ser muy complicado. Así, sugiere que puede ser una buena idea escuchar baladas de Miles Davis o a Chet Baker, como introducción al jazz. Pero un disco que no dejará de escuchar es Blue Train, de John Coltrane.

Esta entrevista es una que hice a Juan Galiardo para el periódico Europa Sur, que ha salido publicada hoy. Espero que os haya gustado.

Clausura agridulce del Festival Jazz en la Costa 2010

2010-07-25T17:48:00.001+02:00

El concierto que dieron anoche David Sanborn (saxo), Joey DeFrancesco (órgano) y Steve Gadd (batería) dio por concluido el que ha sido un gran festival de jazz. En esta edición, como ya he ido comentando en las entradas anteriores, ha habido grandes músicos y conciertos memorables, como el de James Carter o el de Uri Caine. Ha habido un nivel impresionante, pero anoche tuvimos un sabor de boca agridulce. Los músicos, por supuesto, eran estupendos. Yo, al igual que todos los asistentes, estábamos ansiando verlos. El concierto fue muy bueno, la música que tocaron preciosa, sobre todo cuando hacían su blues más puro (era un concierto en homenaje a Ray Charles y Hank Crawford y, en definitiva, al Blues), pero no se dejaron la piel en el escenario como hicieron la mayoría de músicos en los otros conciertos. Cuando yo voy a un festival de jazz de este nivel, y más cuando se trata de la clausura del mismo, pido a los músicos algo más de lo que me ofrecen en un disco.

No se volcaron en el escenario, sino que fueron a tocar el tiempo justo y necesario para poder irse. Por lo que escuché hablar a la gente que estaba deambulando después del concierto, o a las personas con las que iba, la opinión general era que el concierto había sido excesivamente corto. La duración y falta de entrega en el escenario fue lo que disgustó a muchos y empañó el fin de fiesta de este Jazz en la Costa 2010.

De todas formas, como ya dije antes, estos músicos son excepcionales. Lo que tocaron a mí me encantó. Yo nunca había escuchado en directo a Joey DeFrancesco, y me dejó completamente anonadado. Después de ver a ese hombre tocar el órgano, mientras hacía los bajos con su pie izquierdo; y, también, cantar y tocar la trompeta...decidí dejar esto de la música, porque uno se siente ridículo al lado de estas genialidades. La voz de DeFrancesco es buena, profunda; cantar blues no se le da nada mal. Tocando la trompeta no es que sea brillante, pero lo hace bien. Tocando el órgano no hay quien pueda con él. Para mí fue la gran sorpresa de ayer.

Quiero contar una anécdota, y es la de cómo descubrió Miles Davis a DeFrancesco. El organista tocaba el órgano, con 14 años (según lo que yo había escuchado, aunque, según wikipedia, fue con 17), en un programa de televisión. Miles Davis lo escuchó y preguntó que quién era el que tocaba. Cuando vio que era solo un niño decidió ficharlo para ingresar en su banda. Sabemos que Miles Davis era ávido de talentos, y ejemplo de ello son la multitud de estrellas del jazz que ha dado a conocer, como Kenny Garrett o Marcus Miller, entre muchos otros.

Por su parte, Steve Gadd estuvo correcto, como siempre, a la batería. De él no se pueden esperar grandes solos ni excentricidades. Es un baterista discreto, pero brillante. A mí me encanta. No le hace falta demostrar a nadie lo bueno que es, sino que se limita a hacer su trabajo acompañando a los músicos de una forma excelente.

David Sanborn fue quien me decepcionó un poco. Evidentemente, le avala una gran carrera, y es un saxofonista estupendo. Pero no le vi demasiado entregado, sus agudos no son iguales que los de hace unos años y le faltaba algo de chispa, aunque esa es mi opinión. Por supuesto, me encantó escucharle y verle en directo, para mí es todo un placer, pero me esperaba un poco más de él. Tocaron muchos temas preciosos, como el que David Sanborn compuso para su abuelo, Only Everything, o The Pepper, que fue el primera tema que había escuchado de Sanborn y que me llamó muchísimo la atención. Lo tocaba en Montreux, en 1997, con Eric Clapton, Joe Sample, Marcus Miller y Steve Gadd (el vídeo está enlazado en alguna entrada del blog). También tocó Full House, que conocía del mismo directo del 97, y que me encantó escuchar en vivo.

Imagen: José J. Nieto

“Del orden, la heterodoxia y la teoría general del caos en un concierto de Jazz”

2010-07-24T17:54:00.000+02:00

Por José Sánchez Alhama

En una noche tórrida de julio, Stanley Clarke e Hiromi, joven pianista y “un prodigio de técnica, radiante e inteligente…una inyección de adrenalina para los cansados gustos musicales” según publicita el Festival de Jazz en la Costa del Parque del Majuelo en Almuñecar (Granada), consiguieron con su música envolver al auditorio en una nube alucinatoria de sensaciones muy diversas. A unos les provocó un coma agrípnico, con los ojos abiertos, casi salidos de las órbitas, junto a una actitud cataléptica, sin embargo a otros les provocó una gran agitación y una vuelta a nuestros ancestros más atávicos, emitiendo unos sonidos guturales extraños …”uuh, uuh, guous, guao, guau, guau”, silbidos, movimientos circulares de la cabeza, etc.

El espectáculo estaba tanto en el escenario como en el parque, no sabías donde mirar, a cual más atractivo para un observador ávido de sensaciones. Un concierto de jazz es como la vida misma, y un ejemplo de civilización concentrada donde se reflejan todo tipo de actitudes y conductas ante cualquier espectáculo que nos ofrece generosamente la vida cada día.

Para mí el jazz es la heterodoxia, no solo en la música, también en la forma de afrontar nuestra propia vida. Podemos hacerlo a través del orden, el control, lo previsible, la seguridad que nos ofrece una vida planificada y bien ordenada. O bien, nos podemos instalar en la imprevisión, el des-orden y el caos. Para unos, la necesidad fundamental del ser humano es la “seguridad” que, por ejemplo, ante una situación de peligro o riesgo, nos hace reaccionar abrazándonos a nuestro pasado más seguro. La estabilidad la conseguimos en un medio donde nuestra felicidad, seguridad y calidad de vida nos proporcione un presente y un futuro donde casi todo nos sea previsible, lejos de sorpresas que nos genera una falta de control sobre nuestra propia vida. Sin embargo, la vida es contradicción, la dicotomía de orden y caos se transforman en dos procesos continuos que nos alimentan y, a veces, nos atormentan.

Somos tan contradictorios que amamos una cosa como la otra, y la una no puede vivir sin la otra, el problema es la decisión de instalarnos en una o en otra, podemos vivir continuamente en el orden y bucear esporádicamente en el caos, o bien, a la inversa. Estas condiciones de vida no son antagónicas, todo lo contrario son las dos caras de la misma moneda, a veces necesitamos el orden y la preservación y otras el caos y la auto demolición.

Y este preámbulo ¿a que viene? ¿Que tiene que ver con un concierto de jazz?

Stanley Clarke y su banda junto a Hiromi nos introdujeron en una excitación aparentemente caótica, con una música también aparentemente dislocada e imprevisible, sin embargo, el ritmo, la composición y la técnica nos transportaron a la combinación de dos elementos reflejados en los instrumentos, como son la tierra y el fuego. El bajo y el contrabajo junto a la batería y el piano de Hiromi y el teclado de Sirota desplegaban grandes llamaradas que salían del centro de la tierra. ¡Que figuras se iban dibujando en el Majuelo! ¡Que colores y que sensaciones!

Reconozco que amo el orden y el caos. Me gusta un concierto sinfónico, su boato, el orden, las normas y las reglas que los homogenizan –las actitudes de los músicos, altiva y distante, son los “maestros” y los demás los “alumnos”, sus trajes de pingüinos, sus miradas perdidas en el limbo de los dioses- incluso su estructura social, divididas en clases sociales que hoy día, no representan a un mundo moderno, el director -o el dios-, el concertino, primeros y segundos violines, etc. etc.-. No hay espacios para la improvisación, existe todo un protocolo inmodificable bajo ninguna condición, por ejemplo el atril con las previsibles partituras. Pero también, amo el des-orden, la espontaneidad, la improvisación, la ausencia de etiqueta, la actitud cercana de los “músicos” en el concierto, las interrupciones y los gritos guturales de la vasca irreprimida. En fin, amo la música, es decir, el Jazz.

José Sánchez Alhama / Almuñécar (Granada)

Este artículo me lo envía José Sánchez Alhama, espero que hayáis disfrutado de su lectura.

"Hey hey, the blues is alright!"

2010-07-24T14:00:00.001+02:00

Con esas palabras se despidió ayer Barbara Walker de Almuñécar. Terminó de forma muy alegre lo que fue un magnífico concierto. Al principio, tocaron dos temas en trio el pianista Uri Caine, el bajista Reggie Washington y el baterista Cornell Rochester. El primero fue un standard, pero era difícil de reconocer, ya que Uri Caine tiene la habilidad de hacer buenos arreglos de los temas, reconvirtiéndolos y llevándolos a su terreno. Uri Caine destaca tanto como pianista como compositor. Como instrumentista, Caine ha tocado con los grandes del Jazz, pero también ha dedicado mucho tiempo a los grandes de la música. Entre los compositores que Caine ha interpretado, se encuentran Bach, Wagner o Mahler. Pero no solo ha estudiado la obra de estos autores, sino que ha reinventado su música, dándole aires nuevos a la obra de unos compositores quemada por la lectura "pura" de sus intérpretes clásicos.

Del trio que le acompañaba solo puedo decir cosas buenas. El baterista, no podría decir exactamente porqué (y salvando las distancias), me recordaba a Philly Joe. Hizo un solo bastante largo pero rico en la variedad de ritmos y sonidos que llenaron la atmósfera del Majuelo. El tío acabó tocando el solo de pie, con eso lo digo todo. Cuando terminó ese solo, el público le dio una merecidísima gran ovación. El bajista, por su parte, también era muy bueno, aunque discreto. Lo que sí quiero decir es que estoy harto de no poder disfrutar de los grandes bajistas y contrabajistas que vienen al festival, ya que suenan muy distorsionados por culpa de los equipos técnicos. A ver si para el último concierto la organización hace algo.

Hablemos ahora de Barbara Walker. La voz de la diva del Soul nos puso los pelos de punta. Yo nunca he escuchado en directo nada igual. El registro de su voz era muy extenso: desde unas notas muy graves hasta unos agudos de infarto. Además, es una cantante muy simpática, y no paraba de bailar, sonreír, interactuar con otros músicos (tenía un abanico con el que daba aire a Uri Caine, y a veces tocaba uno de los platos de la batería). El último tema, titulado The blues is alright, fue una auténtica locura. Lo tocaron como bis cuando el público se levantó pidiendo otro tema más. Barbara nos dijo que tendríamos que cantar, y así lo hicimos. Puso a todo el mundo de pie a bailar. Los músicos lo hicieron perfectamente, acompañando a una mujer enérgica, que tenía muchas ganas de pasarlo bien. Preguntó desde el escenario a los de seguridad si podía bajar al público. En cuanto lo hizo, con su micro inalámbrico, se metió entre el público, bailando con algunos y poniendo el micro para cantar a otros (entre ellos, como no, a Rafa). Mientras tanto, los fotógrafos aprovecharon para levantarse (durante el concierto no pueden) y hacer fotos los músicos, quienes seguían acompañando a Barbara, que estaba enloqueciendo a la multitud.

Di que sí Barbara, el blues está de puta madre.

Imagen: José J. Nieto

Stanley Clarke con Hiromi: la fusión perfecta

2010-07-23T12:09:00.002+02:00

Hace unos meses escuché por primera vez a Hiromi. Me quedé boquiabierto al verla en los distintos vídeos que hay por Youtube. Empecé a leer sobre ella y a admirarla profundamente. Cuando vi que venía a Almuñécar sabía que no me lo podía perder. Además, no venía sola, sino que formaba parte de una banda excepcional, junto al contrabajista Stanley Clarke, quien era el cabeza de grupo, Ruslan Sirota a los teclados y Ronald Bruner Jr. a la batería. Sabía que no iba a poder disfrutar de Hiromi al máximo, ya que el protagonista de la banda era Clarke, pero el contrabajista es buenísimo, y no me importaba demasiado.

El gran éxito de Stanley Clarke fue Return to Forever, el mítico grupo que formó junto a Chick Corea. El mundo de la fusión queda así consolidado, tras el trabajo de Weather Report, quienes empezaron a indagar en el jazz fusión. De todas formas, Return to Forever se orientó más hacia el Jazz-rock, con lo que Clarke demostró que es tan bueno con el contrabajo como con el bajo eléctrico.

El concierto que nos dieron anoche fue de primera. Una maravilla. Digo esto de casi todos los conciertos, pero es que el nivel del Festival está siendo muy alto. Personalmente, no me gustan mucho los conciertos que tienen como instrumento principal el contrabajo o el bajo eléctrico, porque me cansan un poco, pero Clarke es una bestia del bajo. Me impresionó bastante verlo en directo. Por otra parte, su banda era estupenda, y Clarke sabía ponerse muy bien en un segundo plano cuando tocaba el turno de sus compañeros. Los solos que hizo Clarke fueron muy buenos, sobre todo técnicamente, demostrando que maneja su instrumento a la perfección.

Todos los instrumentistas, como dije antes, eran estupendos. El baterista era muy seguro, e hizo unos solos que nos dejaron atónitos. En el acompañamiento era original, haciendo los ritmos difíciles que tenían los temas que tocaron. Por su parte, el teclista (Ruslan Sirota), manejaba muy bien los tres teclados que llevaba. Tenía que hacer muchas melodías a la vez que Hiromi, lo que hicieron con una perfecta sincronización.

El inicio del concierto fue muy original. Empezó tocando Stanley Clarke con Ronald Bruner Jr. Cuando terminaron, empezó a tocar Clarke solo con Hiromi, y luego con Ruslan Sirota; presentando a cada músico por separado tocando solo con él. Los dos primeros temas eran de Return to Forever. Más tarde, Clarke quiso hacer un homenaje a John Coltrane, con un tema compuesto por Stanley Clarke y Chick Corea hace muchos años que se llama Song to John.

Tengo que reconocer que el jazz fusión no es mi estilo de jazz favorito, aunque no soy pragmático en esto. No me gusta mucho porque hay un poco de disparidad entre los músicos y por las melodías tan disonantes que conforman este subgénero. De todas formas, como ya he dicho, no soy tajante en esto, sino que depende de los músicos que toquen, los temas que se interpreten, etc. Aún así, el concierto de ayer me gustó mucho, porque vi la potencia que puede tener un contrabajo y los sonidos que se le pueden sacar a este instrumento. Además, todos los miembros del grupo hicieron un papel extraordinario.

Como tengo debilidad por Hiromi, los momentos que más me gustaron fueron aquellos en los que ella era la protagonista. Me gustó especialmente un solo en el que empezó a tocar un suave blues. Ella ha reconocido en muchas ocasiones que una gran influencia musical fue Oscar Peterson, al que ha dedicado algún tema en sus conciertos. Para mí, es la pianista actual que más se acerca a la forma de tocar el canadiense. Ella quizá se acerque a otros estilos por la influencia de Chick Corea pero, por su habilidad técnica y su sensibilidad, puede acercarse a la forma en que lo hacía Peterson. A veces, puede percutir las notas, como lo hacía Peterson; pero también toca de una forma muy suave, sutil, como si sus dedos bailaran por el teclado del piano.

Imagen: José J. Nieto

Madeleine Peyroux: sensibilidad

2010-07-22T10:56:00.001+02:00

Anoche llegó el turno de la cantante estadounidense de Jazz Madeleine Peyroux. Nacida en la ciudad universitaria de Athens (Georgia), adora cantar desde muy pequeña. Tanto es así, que se rodeó de unos buenos músicos y se puso a cantar en la calle, donde empieza su carrera. Mantiene la esencia del jazz con su voz turbia. El concierto que dio ayer es un ejemplo de sencillez. No hacen falta grandes exhibiciones musicales para transmitir algo tan simple, a la vez que importante, como la belleza. No voy a decir que sus músicos fueran una maravilla, porque me dio la impresión de que el contrabajista y el baterista eran un poco regulares; no así el pianista y el guitarrista, por ejemplo, que sí me parecieron muy buenos instrumentistas. Pero sí que digo que fue un concierto precioso. Su voz, que cautivó a todo el parque, es hermosa. Y en la música se trata de transmitir emociones, lo que ellos hicieron a la perfección. Antes de entrar en detalles, también diré que la opinión entre los asistentes al concierto fue diversa: a algunos les pareció monótono y a otros les encantó. A mí, personalmente, me pareció todo en la misma línea, y eso no me gusta. Pero también entiendo que el estilo de Peyroux es ese, y que es una excelente cantante.

La banda la formaban Madeleine Peyroux, voz y guitarra, Jon Herington a la guitarra, Gary Versace a los teclados, Barak Mori al contrabajo y Darren Beckett a la batería

El pianista fue, en mi opinión, el mejor de todos. Llevaba un órgano Hammond, y lo tocaba de maravilla. Sus improvisaciones eran blues, como casi todo el concierto, y eso me gusta. El sonido que sacaba al piano y al Hammond era precioso, con gran sensibilidad. Me gustaría destacar un tema que tocaron, y para el que parecía que iban caracterizados. Se trataba de La Javanaise El pianista sacó una melódica, que es un instrumento de viento con teclas, con sonido parecido al del acordeón; el guitarrista sacó una mandolina y el resto tocó con sus instrumentos, excepto el baterista, que tocó una caja. No una caja flamenca, sino una caja de cartón. La canción fue la que más besos y abrazos provocó entre los enamorados del público. Parecía que estábamos en Venecia, Sicilia o París.

En definitiva: fue un concierto precioso, falto de la técnica de los músicos a la que estamos acostumbrados en el festival, pero no por ello fue malo.

Imagen: José J. Nieto

James Carter...¡madre mía!

2010-07-21T15:35:00.001+02:00

Anoche tuvimos el enorme placer de ver un conciertazo de James Carter en formación de quinteto. Lo de anoche demuestra que el festival de Jazz de Almuñécar es uno de los grandes del mundo. Carter estuvo la noche anterior escuchando a Christian Scott, y ya pudimos ver que era un hombre simpático y carismático. Nada más saltar al escenario lo demostró, moviéndose al ritmo de los aplausos y hablando con el público. Nos presentó a su banda, que la formaban: Corey Wilkes a la trompeta, Gerard Gibbs al piano, Leonard King a la batería y Ralphe Armstrong al contrabajo. Después de esto empezó la música. Voy a ir contando cómo fue cada uno de los temas.

El primer tema lo tocaron sin el trompetista. Este maravilloso concierto inició con ritmos de Nueva Orleans. En este tema, que Carter hizo con el saxo soprano, pudimos escuchar un pequeña muestra de lo que nos esperaba esa noche. "Pedazo de concierto nos espera", me dijo Rafa, quien ya auguraba que sería un concierto espectacular. James Carter tocó un solo espléndido, seguido por el pianista, que no se quedó corto. Los breaks que hacía la batería y la "conversación" entre el saxo y el piano, daban por concluido este inicio del concierto.

Para el segundo tema, ya salió el trompetista. Tocaron Nuages, de Django Reinhardt. Con el saxo tenor, Carter hizo una solmene introducción acompañado únicamente de la caja de la batería. A continuación, la batería empezó a meter mucho ritmo y empezaron todos juntos. El trompetista nos mostró sus habilidades creativas haciendo un gran solo, al igual que el pianista, quien para improvisar hace mucho uso de los acordes.

El tercer tema, un blues, lo tocó Carter con la flauta travesera. Este músico estadounidense domina perfectamente muchos instrumentos de viento: todos los saxos, flautas y toda la gama de clarinetes (al menos, que yo sepa). El pianista, en este tema, hizo un gran final en su solo, repitiendo dos acordes al estilo blues, a una velocidad que nos dejó perplejos. El solo de trompeta fue muy blues, sobre todo al final y, el contrabajo hizo su primer solo, terminando de tocarlo con el arco.

En este tema, el tercero, el baterista dijo a los de la organización que el foco que tenía delante le molestaba mucho, para que se lo quitaran. Luego, cuando empezó el cuarto tema, en el que hacía una introducción preciosa el pianista, el baterista se levantó e hizo reír a todo el público cuando, con gestos, dijo a los que controlaban las luces que como no le quitaran el foco de una vez les cortaría el cuello.

En el cuarto tema fue cuando ya empecé a alucinar. Entré en un estado de embriaguez de los sentidos. Era como si no quisiera que eso terminara nunca. James Carter, con el saxo tenor, y Gerard Gibbs, al piano, empezaron a tocar un blues cuando...¡apareció la bossa! Nunca había visto nada igual hecho con tanta naturalidad. En este tema tampoco tocó el trompetista. El contrabajista explotó en este tema, demostrando que era buenísimo. Todos lo sabíamos por los temas anteriores, pero en este... en este se salió. Creo que en una parte, incluso, hizo algo que nunca habían mirado en los ensayos. Empezó a indicarle cosas al baterista y al pianista, para que pudieran seguirle en el solo de este último. Para colmo, James Carter estuvo tocando él solito, sin compañía de nadie, más de cinco minutos. Demostró que en el saxo no puede hacerse nada más, os lo aseguro. Lo domina a la perfección. Hace unos graves y unos agudos que no había escuchado antes en un tenor. Los demás instrumentistas estaban hasta aburridos, porque no se le acababan las ideas. No paraba de tocar. El pianista creo que decidió echar un sueñecito y todo.

El quinto tema tuvo una introducción free jazz, que recordaba al Bitches Brew, de Miles Davis. Me dijo el señor Méndez: "veremos a ver por dónde nos sale esta gente". Efectivamente, muy free jazz la introducción pero terminaron tocando un standard. Pedazo de solo del pianista, gran presencia del contrabajo y momentazo del saxo soprano de Carter y la trompeta de Wilkes, que tocaron un pequeño solo los dos juntos, sin acompañamiento.

Ya vamos llegando al final del concierto. El sexto tema fue In a sentimental Mood, de Duke Ellington. La trompeta con la sordina hizo un papel espectacular, con su introducción al tema y su solo. El piano sonó especialmente bello en este tema.

El concierto iba a terminar como empezó: con ritmos de Nueva Orleans. Este tema fue espectacular, como todos los demás. Era increíble ver tantos pies moviéndose, tantas cabezas yendo al ritmo o gente chasqueando los dedos. Fue impresionante, de verdad. Todo el público se puso en pie en cuanto terminaron, por lo que tuvieron que salir a tocar otro tema. Nos sorprendió que solo salieran el contrabajista y James Carter, pero os aseguro que no necesitaban a nadie más. Para mí, son los dos hombres del concierto. No he hablado mucho de Ralphe Armstrong, el contrabajista, pero no creo que se pudiera hacer mejor de lo que él lo hizo. Llevaba el ritmo muy bien, tocaba como quería. Era como Carter, hacía lo que le daba la gana, y lo hacía de forma extraordinaria. Además, Armstrong era muy carismático: bailba y ponía caras mientras tocaba y, ademmás, se mostró muy agradecido con el público, al igual que el resto de los músicos.

El bis que nos regalaron era un blues en toda regla. El blues más puro, impresionante. Fue una fusión perfecta entre el saxofón tenor y el contrabajo. Los ritmos de Armstrong y las melodías que tocaba en su contrabajo; y el blues de Carter nos volvieron locos. Todavía tengo los vellos de punta del concierto de anoche. Al escribir esto me viene a la cabeza todo lo que escuché, y me vuelve a salir la sonrisa de idiota que puse embobado mientras escuchaba durante todo el concierto. Creo que los músicos también disfrutaron mucho de la noche. James Carter no paraba de repetir: "I love you, thanks", y ponerse la mano derecha en el corazón. Bailó, cantó, animó a sus compañeros, rió, bromeó... ¡Qué grande!

Imagen: José J. Nieto

Christian Scott: innovación, técnica y sentimiento

2010-07-20T15:02:00.001+02:00

El joven trompetista Christian Scott llenó anoche el parque el Majuelo con melodías innovadoras y vanguardistas. Su apuesta es arriesgada, ya que hace un jazz diferente al que solemos escuchar. La primera composición que tocaron fue la más revolucionaria. Los ritmos de la batería eran enloquecidos, aunque Jamire Williams, el baterista, los llevaba a la perfección. El grupo lo completaban Matthew Stevens a la guitarrra, Milton Fletcher al piano y Kristopher Funn, con el pie roto, al contrabajo.

El segundo tema fue impresionante, el que más me gustó. El ritmo se acercaba más a lo que sería el jazz al que estamos acostumbrados, aunque se notaba la personalidad de Scott, que ya nos la había enseñado en el primer tema. Christian Scott es un chico de 27 años, lleno de rabia y emociones, y eso lo plasma a la perfección en lo que toca.

La actitud del público no era nada recatada, como viene siendo habitual en el festival. Se escuchaban gritos de ánimo a los músicos. El solo de trompeta de este segundo tema arrancó una sentida ovación, acompañada de esas expresiones que el público lanza a los músicos para animarlos, y que a todos nos gusta escuchar en los conciertos, que equivalen al jaleo en el flamenco.

Me sorprendió gratamente este músico, que solo conocía de oídas. Había escuchado que, según la prensa especializada, Scott podría ser el nuevo Miles Davis. Es cierto que se da un aire a Miles porque utiliza notas largas, buscando la nota perfecta en cada momento. Pero se diferencia de él en muchas cosas. Por ejemplo, tiene mucha más técnica que Miles Davis y sus composiciones y su forma de improvisar son diferentes. También había leído algunas declaraciones de Scott que no me gustaron nada. Esas declaraciones lo mostraban como un chico altivo y con chulería, pero entiendo que la prensa muchas veces saca las palabras de contexto y lo que dijo puede significar algo totalmente distinto.

Respecto a su banda, tengo que decir que era excepcional. Del baterista ya he dicho antes que era sublime su forma de llevar el ritmo. El pianista, aunque no lució demasiado porque no se le escuchaba mucho, también nos dejó unos solos de gran calidad, y era discreto en el acompañamiento. El contrabajista, aunque tenía el pie roto (por lo que tocaba sentado), también era muy bueno, al igual que el guitarrista, quien hacía unas improvisaciones llenas de sensibilidad. Me gusta ver a los músicos mostrar sus sentimientos mientras tocan, y este guitarrista lo hacía.

Llegando al final del concierto, nos explicó que el tema que iban a tocar trataba sobre algo muy serio. Contaba la historia de un grave problema que tuvo con un policía cuando era pequeño. Tenía relación con su madre y, sinceramente, hablaba demasiado rápido como para que lo entendiera todo. El tema que tocó representaba perfectamente ese problema con el policía. Mostraba la angustia y la rabia que sintió en esos momentos. Muchos artistas titulan los temas de una manera y, cuando crees que lo que vas a escuchar se relacionará con el título, ves que no se corresponde en nada. También hay que tener en cuenta que lo que siente el artista no tiene por qué ser lo mismo que sientes tú respecto a un tema, ahí también está la creatividad y la libertad del músico.

Cuando terminó de tocar ese tema se fue, y volvió para tocar otro tema cuando el público lo ovacionó. Parecía enfadado. Según comentaban algunas personas allí, estaba cabreado con los micrófonos. De hecho, cuando terminó el último tema, el guitarrista casi le pega una patada (literalmente) a su amplificador. Es algo que la organización debería revisar, ya que a veces el sonido está demasiado fuerte o suenan los bajos distorsionados, lo que impide que se disfrute de la música en su totalidad. Tras tocar este bis se marchó y, a pesar de que el público no dejaba de aplaudir pidiendo que tocaran otra, no volvió a salir. Esto me pareció inadecuado, pero así fue.

Para sorpresa de los que nos quedamos deambulando por la tienda de discos que ponen en el parque, apareció James Carter, el saxofonista que tocará esta noche. Christian Scott también salió de los camerinos y estuvo con Carter y sus músicos, firmando autógrafos a los que se acercaban y haciéndose fotos. “I´ll see you tomorrow”, decía James Carter a los que se hacían fotos con él (incluido yo).

Esto demuestra que los músicos de Jazz son personas normales. Un amigo que se hospeda en un hotel donde también se quedan la mayoría de los músicos, me cuenta que los ve en la piscina, jugando al pádel, comiendo con su familia, etc. Están en los sitios como cualquier otra persona, disfrutando a su manera.

En definitiva, el concierto de anoche fue una joya, de lo mejor que he visto en directo. Tanto Christian Scott como el resto de la banda son, con toda seguridad, el futuro del jazz. Nos darán muchas alegrías, innovación y buena música. Ya no son jóvenes promesas, son jóvenes estrellas.

P.d.: Siento poner tantas fotografías, pero no he podido dejar ninguna de esas fuera. Gracias José por tus fotos, son realmente espectaculares.

Imagen: José J. Nieto